SUMMER EXHIBITION

COPPER SMITHY, FISKARS VILLAGE

19.5.– 15.9.2019

FACTORY

FACTORY is a multidisciplinary exhibition that reveals the diverse roles of modern factories. In the summer 2019, more than forty artists and collaborations bring their own vision about the meaning of a factory for arts and production today. The exhibition is curated by Anniina Koivu.

The exhibition combines traditional design and crafts with surprising collaborations between art and technology. The theme of a factory is tackled through different art forms and techniques. How does a craftsman, a carpenter or an industrial manufacturer comprise the essence of factories? What is a modern factory like? Can slowly hand made quality be born in a factory environment?

The exhibition is produced by Onoma Cooperative of Artisans, Designers and Artists in. In 2019, the summer exhibition by Onoma is also a part of the Fiskars Village Art & Design Biennale as one of its three exhibitions.

ARTISTS

A C E

AAMU SONG & JOHAN OLIN / COM-PA-NY

ANTREI HARTIKAINEN

ARITA 2016 & BIG-GAME / CHRISTIEN MEINDERTSMA / INGEGERD RÅMAN

BENJAMIN DILLENBURGER & MICHAEL HANSMEYER / ETH

BRYNJAR SIGURDARSON / CIRVA

CARLO CLOPATH

CHRISTOPHE GUBERAN & SKYLAR TIBBITS / SELF-ASSEMBLY LAB MIT

ENZO MARI & DANESE

FISKARS

GINO SARFATTI / GALERIE KREO

GIULIO RIDOLFO & KVADRAT

GLASS HILL & THE WOODSHOP ON FOGO ISLAND / SHOREFAST FOUNDATION

HEIKKI ASKA

HELLA JONGERIUS & NYMPHENBURG / ROYAL TICHELAAR MAKKUM / THOMAS EYCK

HELMI LIIKANEN & LAPUAN KANKURIT

INGO MAURER

ISAAC REINA

ISAMU NOGUCHI & OZEKI WORKSHOP / VITRA

JAAKKO PAKKALA & FEATHR

JASPER MORRISON

JEAN PROUVÉ / GALERIE JOUSSE ENTREPRISE

KAKSIKKO & NIKARI

KARI VIRTANEN & NIKARI

KARIN WIDNÄS

KONSTANTIN GRCIC & MAGIS

KORVAA

KWANGHO LEE & TAJIMI CUSTOM TILES

LAURA MATTILA & MIKKO MERZ

MAARTEN VAN SEVEREN / WÄSTBERG

MARKO ESCARTIN / STUDIO OKSA

MAURO MOIA AND RENATO RUATTI & NOAH GUITARS

MAX LAMB

MINJA KOLEHMAINEN

PIERRE CHARPIN & HERMÈS

PIITU NYKOPP

POIAT & RAISION PUUSEPÄT

RICHARD SAPPER & ALESSI

RONAN AND ERWAN BOUROULLEC & GALERIE KREO & FLOS

SAM HECHT AND KIM COLIN (INDUSTRIAL FACILITY) & MATTIAZZI

STUDIO WIEKI SOMERS

THÉLONIOUS GOUPIL & IITTALA

TUULIA PENTTILÄ

ZHENHAN HAO

CONTACTS & INFO

FACTORY
19.5. – 15.9.2019
Copper Smithy
Kuparivasarantie 5, 10470 Fiskars

Open daily 11am–6pm

Guided tours:
For groups we recommend booking a guided tour to enhance your experience. Guided tours can be tailored according to the needs of the group. The duration of the tour is 45 minutes and the fee for groups is EUR 50 per tour. Groups larger than 25 people need to book two guides. Guided tours must be booked in advance: opas@onoma.fi , tel. +358 (0) 50 440 3727

Exhibition team:
Curator: Anniina Koivu
Exhibition producer: Emilia Hänninen
Graphic design: Sonja Tuulia Halttunen / Kaviva Graphics
Exhibition architecture: Timo Mikkonen & Antti Rouhunkoski / Poiat
Communications: Karoliina Virkkunen

The exhibition is produced by Onoma Cooperative of Artisans, Designers and Artists in Fiskars. It is also a part of the Fiskars Village Art & Design Biennale, organized for the first time in summer 2019.

http://onoma.fi/en
https://fiskarsvillagebiennale.com

Contact:

Customer service
opas@onoma.fi
+358 (0) 50 440 3727

Emilia Hänninen, exhibition producer
emilia@onoma.fi
+358 (0) 44 758 8203





A C E

SUOMI
Huonekaluyritys A C E toimi Sveitsissä Lausannessa 2010–2014. Yrityksen tavoitteena oli kehittää ja myydä lahjakkaiden kansainvälisten muotoilijoiden suunnittelemia laadukkaita puisia tuotteita. A C E päätti tehdä yhteistyötä sellaisten Alppien alueella toimivien puuseppien kanssa, jotka he tunsivat henkilökohtaisesti. Perustajat pitivät välttämättömänä sitä, että tuotteet valmistetaan parhaalla mahdollisella tavalla. Tuotantoa virtaviivaistettiin mahdollisimman paljon käyttämällä vain paikallisilta puusepänverstailta löytyviä välineitä. Liiketoiminta lopetettiin vuonna 2014 kansainvälisen talouskriisin vaikutusten vuoksi ja siksi, että tuotteet olivat liian kokeellisia valtavirtamarkkinoille. TEHDAS-näyttelyssä esitellään A C E:n Fauteuil, liimapuusta ja saarnista valmistettu nojatuoli.

SVENSKA
A C E var ett möbelföretag baserat i Lausanne, Schweiz. Målsättningen var att ta fram och sälja kvalitetsföremål tillverkade i trä och formgivna av begåvade internationella designers. De bestämde sig för att arbeta med snickare i Alpregionen, som de kände personligen, för grundarna ansåg att det var viktigt att deras produkter tillverkades under bästa möjliga förutsättningar. Produktionen strömlinjeformades så mycket som möjligt genom att endast använda de verktyg som fanns i snickarnas ateljéer”. Företaget slog igen 2014 till följd av den internationella ekonomiska krisen och för att produkterna vara alltför experimentella för den traditionella marknaden. FABRIK ställer ut A C E:s Fauteuil, en fåtölj tillverkad i limträ och massiv ask.

ENGLISH
A C E was a furniture company based in Lausanne, Switzerland (2010-2014). It developed and sold quality objects made out of wood and designed by international talented designers. A C E decided to work with cabinet makers based in the Swiss Alps region whom they knew personally, because the founders believed it was essential that their products were realised in the best possible conditions. The production process was streamlined as much as possible by only using the production tools available in the local woodworking shops. The business closed in 2014, partly due to poor international economic conditions and partly due to the products being considered too experimental for the mainstream market. The FACTORY exhibition will feature A C E’s Fauteuil, an armchair made of glulam and solid ash.

Antrei Hartikainen

SUOMI
”Kaikki syntyy havainnoista. Haluan siirtää luonnon haavoittuvuutta, haurautta ja kauneutta omaan materiaaliini puuhun, tuomalla sen kiehtovimmat ominaisuudet niin rakenteellisesti kuin esteettisesti esiin. Muodot, mittakaava ja erilaiset pinnat töihin syntyvät tutkimalla ihmisen, ilmaston ja luonnon muokkaamaa maisemaa eri vuodenaikoina eri etäisyyksiltä ja perspektiiveistä.

Tavoitteenani on soveltaa puuntyöstötekniikoita sekä löytää uusia ulottuvuuksia muodoista, mittakaavasta ja materiaalista. Kuinka poimia vain oleellinen innoituksen lähteestä ja yksinkertaistaa asiat niin, että jälki on tunnistettavaa ja samaan aikaan hyvin viitteellistä? Kuinka saattaa veistokset osittain tai täysin teollisesti valmistettaviksi niin, että materiaalin tuntu, herkkyys ja yllätyksellisyys ovat edelleen vahvasti läsnä?”

SVENSKA
“Allt utgår från det iakttagna. Jag vill föra över naturens starka avtryck och skönhet på mitt eget material, träet, genom att lyfta fram dess mest fascinerande egenskaper såväl strukturellt som estetiskt. Formerna, skalan och de olika ytorna för verket uppstår genom att utforska de landskap som formas av människan, klimatet och naturen under olika årstider på olika avstånd och ur olika perspektiv.

Jag har som mål att tillämpa olika träbearbetningstekniker och hitta nya dimensioner av formerna, skalorna och materialet. Hur göra för att enbart hämta väsentlig inspiration ur källan och förenkla sakerna så att avtrycket är identifierbart och samtidigt mycket suggestivt? Hur kan man tillverka skulpturerna industriellt, helt eller delvis, så att materialets känsla, sensibilitet och oförutsebarhet fortfarande är kraftigt närvarande?”

ENGLISH
"Everything starts from observation. I want to transfer the strong imprint and beauty of nature into my own material, wood, by bringing to the fore its most fascinating features both structurally and aesthetically. Shapes, scales and different types of surfaces come into being by studying landscapes moulded by humans, the climate and nature in different seasons and seen from different distances and perspectives.

My aim is to apply different woodwork techniques and find new dimensions through shapes, scales and materials. How to pick up only the most essential elements from the source of inspiration, and to simplify one's work in a way that each stroke is recognisable yet at the same time subtle? How to manufacture sculptures partly or completely in an industrial fashion in a way that still preserves the feel, sensitivity and unexpectedness of the material?"

Arita 2016/ & Ingegerd Raman / Christien Meindertsma / BIG-GAME

SUOMI
2016/ -mallisto
2016/ valmistaa nykyposliinia hyödyntäen perinteistä savityöosaamista Japanin Aritasta. Sikäläinen taiteen tekemisen taito on muovaantunut vuosisatojen saatossa ja kohtaa nyt kansainvälisen muotoiluosaamisen halutuissa, jokapäiväiseen käyttöön tarkoitetuissa posliinituotteissa. 2016/ pyrkii herättämään henkiin alueen hämmästyttävän käsityön ja kaupankäynnin perinteitä.

SVENSKA
om 2016/
2016/ tillverkar nutida porslin med utgångspunkt i den skickliga hantverkstradition som finns i den japanska keramikstaden Arita. Lokalt konstnärskap, med traditioner som slipats under århundraden, kombineras med begåvad internationell design till attraktiva vardagsprodukter i porslin. 2016/ har som mål att återuppliva intresset för och återföra handeln till den här hantverksregionen med sina skickliga tillverkare.

ENGLISH
About the 2016/ collection
2016/ makes contemporary porcelain using the specialist skills found in the pottery town of Arita, Japan. Local artistry, refined by centuries of tradition, is combined with international design talent in the creation of desirable, everyday porcelain products. 2016/ aims to revive interest in and bring commerce back to this remarkable craft region and its makers

SUOMI
BIG-GAME
Sveitsiläinen muotoilutrio BIG-GAME on luonut malliston keittiötarvikkeita, johon kuuluu muun muassa keittimestä ja pannusta koostuva kahvisetti, jolla voi valmistaa tuoretta, täyteläisen makuista suodatinkahvia. Vaikka malliston määräävin piirre on sen yksinkertainen muotokieli, se hyödyntää samalla uusimpia materiaaleja ja edistyksellisiä keramiikkaprosesseja. Huokoisa keraaminen kahvifiltteri toimii perkolaattorina, joka tuo suodattamansa kahvin herkän maun täysimääräisesti esiin. Mallistossa käytetty savi on kuumankestävää, ja pannu sekä kattila voidaan lämmittää avotulella, uunissa tai mikrossa. Astiastoa voi käyttää suoraan ruoantarjoiluun. Kauniisti muotoiltu mallisto venyy jokapäiväisessä käytössä moneen.

Muotoilijoiden Scott de Martinville, Grégoire Jeanmonod ja Elric Petit perustama BIG-GAME perustuu yksinkertaisuudelle, funktionaalisuudelle ja optimismille. Trio on suunnitellut tuotteita ja tarvikkeita sellaisille yrityksille kuin Alessi, Hay, Karimoku New Standard, Moustache, Lexon ja Praxi. BIG-GAME:n töitä on otettu Museum für Gestaltungin, Grand-Hornun, Pompidou-keskuksen, Fonds National d’Art Contemporainin sekä MoMAn kokoelmiin.

SVENSKA
om BIG-GAME
Designtrion BIG-GAME, med basen i Schweiz, har skapat en köksserie med kaffeservis med kanna, kokkärl och bryggtratt som låter kaffets fulla arom komma till sin rätt. Serien må karakteriseras av formmässig enkelhet, men här man har använt sig av de mest avancerade materialen och ledande keramiska processerna. Genom sin porositet fungerar det keramiska bryggfiltret som perkolator som ger en mild och god kaffesmak. Tack vare de värmeresistenta egenskaperna hos leran, kan kannan och kokkärlen värmas över öppen eld, i ugn eller mikro. Delarna kan sedan användas direkt för att servera maten i, då de fungerar lika bra som bordsservis. Det är en vacker designserie med många användningsområden i vardagen.

BIG-GAME utgörs av Augustin Scott de Martinville, Grégoire Jeanmonod och Elric Petit. Kärnan i deras arbete är enkelhet, funktionalitet och optimism. De tillverkar många olika produkter och tillbehör för företag som Alessi, Hay, Karimoku New standard, Moustache, Lexon och Praxis. BIG-GAMEs verk finns representerade på Museum für Gestaltung i Zürich, Musée des Arts Contemporains au Grand-Hornu, i belgiska Mons, Centre Georges Pompidou och Fonds National d’Art Contemporain i Paris och MoMA i New York.

ENGLISH
About the BIG-GAME collection
Swiss-based design trio BIG-GAME have created a range of kitchen items featuring a coffee set with kettle and pot that brings out the full flavours of fresh drip coffee. Although the collection’s defining characteristic lies in its simplicity of form, it still makes use of the most advanced materials and cutting-edge ceramic processes. This porous ceramic coffee filter acts as a percolating device allowing the coffee’s gentle taste to be savoured. Thanks to the heat-resistant nature of the clay used, the kettle and cooking pot can be warmed over an open fire, in an oven or microwave. The pieces can then be used to directly transfer food to the family table as they serve equally well as tableware. This is a beautiful design range with great versatility in everyday use.

BIG-GAME is formed by Augustin Scott de Martinville, Grégoire Jeanmonod and Elric Petit. The core characteristics of their work are simplicity, functionality and optimism. They produce a variety of products and accessories for companies such as Alessi, Hay, Karimoku New Standard, Moustache, Lexon and Praxis. BIG-GAME's works are part of the collections of the Museum für Gestaltung, the Musée du Grand-Hornu, the Centre Georges-Pompidou, the Fonds National d’Art Contemporain as well as MoMA.

SUOMI
Ingegerd Råman
Ruotsalainen muotoilija Ingegerd Råman on hyödyntänyt Aritan edistyksellistä käsityöperinnettä käytännöllisen, pinottavan teeastiastonsa suunnittelussa. Malliston esineissä on herkkäviivaiset muodot, ja esineiden kauneus on ollut tärkeässä roolissa suunnittelutyössä. Äärimmäisen pehmeä, varta vasten mallistolle luotu lasite toistuu joko mustana tai valkoisena.

"Tämä mallisto on muotoilijan ja käsityöläisen saumattoman yhteistyön tulos. Minkäänlaisia kompromisseja ei sallittu ennen kuin se oli valmis", Råman kuvailee.

Ingegerd Råman on Ruotsin arvostetuimpia lasi- ja keramiikkamuotoilijoita. Hänen luomansa tuotteet ovat tasapainoisia, vaivihkaisia mutta lämpimiä – ne huokuvat iloa ja kauneutta. Råman uskoo, että hänen tuotteensa heräävät henkiin vasta kun ne pääsevät käyttöön. Råman on suunnittelut esineitä useille tärkeille pohjoismaisille sekä kansainvälisille lasitehtaille, kuten Johansforsille, Skrufille ja Orreforsille. Hänen töitään on esitelty muun muassa Ruotsin kansallismuseossa sekä Corning Museum of Glassissa. Råman on voittanut Excellent Swedish Design -muotoilutunnustuksen 17 kertaa.

SVENSKA
om Ingegerd Råman
Den svenska formgivaren Ingegerd Råman har tillämpat Aritas högklassiga hantverkskunnande för att skapa en funktionell, stapelbar och vacker teservis. Den här kollektionen, med sina utsökta former och linjer, lägger större vikt vid skönhet än att vara stapelbar. En unik glasyr med den allra mjukaste texturen i både vitt och svart utvecklades särskilt för den här serien.

“Den här kollektionen skapades genom ett verkligt samarbete mellan formgivare och hantverkare, där absolut inga kompromisser kunde accepteras under resans gång”, konstaterar Råman.

Ingegerd Råman är en av Sveriges mest välkända glasformgivare och keramiker. Hon skapar välavvägda och diskreta föremål som också utstrålar värme - det finns en inneboende känsla av glädje och skönhet i hennes verk. Råman anser att hennes föremål inte får liv förrän de används. Ingegerd Råman har formgett för ett flertal viktiga skandinaviska och internationella tillverkare, som Johansfors, Skrufs och Orrefors glasbruk. Hennes arbeten finns representerade på bland andra Nationalmuseet i Stockholm och Riihimäki glasmuseum i Finland. Hon har mottagit utmärkelsen Utmärkt Svensk Form sjutton gånger.

ENGLISH
About the Ingegerd Råman collection
Swedish designer Ingegerd Råman has practically applied Arita’s advanced craftsmanship to create a functional, stackable yet beautiful tea set. This series, graced with delicate lines of form, places greater emphasis on its beauty than its stackable design. A unique glaze of the softest texture available in both black and white was developed especially for this range.

“This collection was born out of a true collaboration between designer and craftsman, where absolutely no compromise would be accepted until its completion,” Råman describes.

Ingegerd Råman is one of Sweden's most renowned designers of glass and ceramics. She creates objects that are balanced and discreet but also warm – a feeling of joy and beauty permeate her works. Råman believes her objects do not come to life until they are used. Råman has worked as a designer for several important Scandinavian and international manufacturers, such as Johansfors, Skruf and Orrefors. Her work is exhibited by museums such as the National Museum of Fine Arts in Stockholm and the Corning Museum of Glass. Råman has won the Excellent Swedish Design Award 17 times.

SUOMI
Christien Meindertsma
Vastalahjaksi Alankomaihin 1500-luvulla rahtaamistaan arvokkaista japanilaisista keramiikkatuotteista hollantilaiset kaupankävijät veivät shogunille hollantilaisia pellavavaatteita seremonialahjoiksi. Hollantilainen muotoilija Christien Meindertsma haki tästä tarinasta inspiraatiota mallistoonsa Porcelain and Linen (Posliini ja pellava), jossa aritalainen savityöperinne kohtaa maiden yhteisen historian. Meindertsma loi pellavakankaasta kuppien, lautasten ja kulhojen malleja, jotka sitten saivat keraamisen muodon. Mallisto hyödyntää sekä tavanomaista lasitetta että varta vasten kehitettyä lasitetta, joka on valmistettu kierrättämällä kymmenen eri 2016/-projektiin osallistuvan savityöpajan keramiikansirpaleita.

Christien Meindertsma on nuori suunnittelija, joka tutkii työnsä kautta esineiden ja raaka-aineiden elämää. Usein hän suuntaa huomionsa yksittäiseen tuotteeseen tai prosessiin ja tutkii sitä valtavalla tarkkuudella. Tässä projektissa suunnittelija tuo päivänvaloon yhä näkymättömämmiksi muuttuvia yhteyksiä raaka-aineiden, tuottajien ja tuotteiden välillä. Meindertsma pyrkii tuotesuunnittelullaan luomaan uutta ymmärrystä prosesseista, joista olemme etääntyneet tai jotka ovat hävinneet tyystin. Hänen töitään on ollut esillä MoMAssa, Victoria & Albert Museumissa sekä Cooper Hewitt -muotoilumuseossa. Meindertsma on voittanut kolme Dutch Design Award -muotoilupalkintoa Hollannissa 2008 sekä Index-palkinnon vuonna 2009 teoksellaan PIG 05049.

SVENSKA
om Christien Meindertsma
Som ersättning för de värdefulla japanska keramikföremål som de holländska handelsfartygen på 1500-talet återvände fullastade med hem till Nederländerna, överlämnade köpmännen en ceremoniell gåva till shogun för dagen, bestående av holländskt linnetyg. Utifrån detta, har den holländska designern Christien Meindertsma tagit fram “Porslin & linne”, en ny serie Arita-gods, för att fira den historiska relationen. Meindertsma arbetade fram modeller av koppar, fat och skålar i linnetyg och återskapade dem sedan i keramisk form. I den här kollektionen används vanlig glasyr såväl som en nyutvecklad glasyr som tillverkats av återvunna kasserade keramikskärvor från de tio krukmakerier som ingår i projektet 2016/.

Christien Meindertsma är en ung designer som i sitt arbete utforskar produkternas livscykel och råmaterialen. Hon vänder ofta blicken mot en enda produkt eller process och studerar den i minsta detalj. I det här projektet avslöjar hon de alltmer osynliggjorda förbindelselänkarna mellan råmaterialen, tillverkarna och produkterna. På linkande sätt vill Meindertsma återfå en förståelse för processer som vi har avlägsnat oss från eller som försvunnit. Hennes verk finns representerade på MOMA, Victoria and Albert Museum, och Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum. Meinderstsma belönades 2008 med tre Dutch Design Awards och 2009 med ett Index: Award för PIG 05049.

ENGLISH
About the Christien Meindertsma collection
In return for the precious Japanese ceramics that 16th century Dutch traders returned laden with to the Netherlands, they presented the shōgun of the day with a ceremonial gift of Dutch linen cloth. Drawing inspiration from this story, the Dutch designer Christien Meindertsma has created Porcelain & Linen, a new range of Arita-ware celebrating this historical relationship. Using linen cloth, Meindertsma created models of cups, plates and bowls which were then reconstructed in ceramic form. This collection also makes use of a common glaze type, as well as a newly-developed glaze made from recycling the broken ceramic shards discarded by the ten potteries that contributed to the 2016/ project.

Christien Meindertsma is a young designer who uses her work to explore the life of products and of raw materials. She often turns her attention to a single product or process and studies it in great detail. With this project, the designer reveals the increasingly invisible links between raw materials, producers and products. Similarly, with her product designs Meindertsma aims to regain an understanding of processes that have become distant or lost. Her work has been exhibited in MoMA, the Victoria & Albert Museum and the Cooper Hewitt. Meinderstma has won three Dutch Design Awards in 2008 and an Index award in 2009 for PIG 05049.

Benjamin Dillenburger & Michael Hansmeyer / ETH Zurich

SUOMI
ETH Zürich -yliopiston Benjamin Dillenburgerin & Michael Hansmeyerin täysin algoritmeilläa suunnittelema teos Digital Grotesque edustaa 3D-tulostetun arkkitehtuurin viimeisimpiä saavutuksia. Teos on pienoismalli alkuperäisestä, 3,5 metriä korkeasta maisemasta. Eikä mistä tahansa maisemasta, vaan äärimmäisen yksityiskohtaisesta tulevaisuuden barokkimaisemasta. Se on todiste uudenlaisesta arkkitehtuurista, joka jättää taakseen perinteisen rationalisoinnin ja yhdenmukaistamisen paradigmat, ja korostaa sen sijaan sitä, mihin vain entisajan ammattitaitoiset käsityöläiset pystyivät. Alkuperäinen teos kuuluu Pompidou-keskuksen kokoelmiin.

SVENSKA
Digital Grotesque av Benjamin Dillenburger och Michael Hansmeyer från ETH i Zürich är helt och hållet designad av algoritmer och illustrerar de senaste inom 3D-utskriven arkitektur. Verket är en skalmodell av ett original, ett 3,2 meter högt inneslutet landskap. Inte vilket landskap som helst utan ett hyperdetaljerat barocklandskap från framtiden. Det är ett exempel på en ny slags arkitektur som lämnat de traditionella rationaliserings- och standardiseringsparadigmen och i stället betonar det som bara skickliga hantverkare från förr i världen kunde klara av Den ursprungliga verket ingår i samlingarna på Centre Pompidou.

ENGLISH
Entirely designed by algorithms, Digital Grotesque by Benjamin Dillenburger and Michael Hansmeyer of the ETH Zurich illustrates the latest advancements in 3D-printed architecture. The work is a scaled model of an original 3.5-metre-high block of landscape. Not just any landscape, either, but a extremely detailed, baroque landscape of the future. It is a testament to a new kind of architecture that leaves behind traditional paradigms of rationalisation and standardisation and instead emphasises what only skilled craftsman of the past were able to do. The original piece is part of the Centre Pompidou collection.

Brynjar Sigurdarson / Cirva

SUOMI
Tänä vuonna Torsten ja Wanja Söderbergin palkinnon saanut islantilaismuotoilija Brynjar Sigurðarson yhdistää työssään muotoilua, taidetta, valokuvausta ja elokuvaa. Spectrum-maljakkoa varten hän elvytti yhden vanhimmista puristetun lasin valmistusprosesseista. Tutkiessaan lasimuotoilua Ranskan Marseilles'n CIRVA-keskuksessa Sigurðarson kokeili pâte de verre- eli niin sanottua "kadonnut vaha" -menetelmää, jossa kylmämuovattua lasijauhetahnaa tai lasimassaa sulatetaan muottiin uunissa. Tuloksena on pieni mallisto Spectrum-maljakoita, jotka ovat osittain läpikuultamattomia ja joissa on lähes kiven kaltainen pohja ja läpinäkyvä kiilto yläosassa. Maljakot muistuttavat talvisesta merestä leikattua jäätä.

SVENSKA
Den isländske designer Brynjar Sigurðarson, mottagare av Torsten and Wanja Söderbergs pris 2018, suddar ut gränserna mellan design, konst, fotografi och film. Med sina vaser Spectrum återupplivade han en av de äldsta metoderna för att tillverka glas. På Centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques, CIRVA, i Marseille experimenterade Sigurðarson med pâte de verre, en av pulvriserat glas, bindemedel och färgpigment sammansatt massa som gjuts i formar och smälts på nytt. Experimenten resulterade i en liten kollektion vaser, i oändliga nyanser av grönt, med stenliknande bas och genomskinliga i toppen, påminnande om is, utskuren ur det frusna havet.

ENGLISH
Icelandic designer Brynjar Sigurðarson, winner of this year’s Torsten and Wanja Söderberg prize, fuses the boundaries between design, art, photography and film-making. For the Spectrum vase, he revived one of the oldest processes of pressed glass manufacturing. At CIRVA, a glass research centre in Marseilles, France, Sigurðarson experimented with pâte de verre or “lost wax”, a material produced when a cold-formed paste of glass powders or frits are fused in a mould in the kiln. The result is a small series of Spectrum vases, which – in part opaque, with an almost stone-like base and transparent shine on top – resemble ice, cut out of the frozen sea.

Carlo Clopath

SUOMI
"Olen tutkinut erilaisia tuotantoprosesseja aterimia, astiastoja ja keittiövälineitä varten aina perinteisistä, työintensiivisistä käsityömenetelmistä teollisiin, pitkälle kehittyneisiin tietokoneavusteisiin työtapoihin. Jatkuvaan tutkimusprosessiini kuuluu muun muassa puinen keittiövälinemallisto, joka on osittain valmistettu CNC-työstökoneella, ja jonka useat osat on päällystetty urushi-lakalla. Lisäksi teen ruiskupuristettuja tai kuviosahattuja posliinisia ruokailuvälineitä sekä muotoon leikattuja, muovattuja ja kiillotettuja aterimia sintratusta ruostumattomasta teräksestä, sekä ruiskupuristettuja lusikoita termoplastisesta hartsista."

Carlo Clopath on vuonna 1986 syntynyt sveitsiläinen muotoilija. Clopath on erikoistunut materiaalien ominaisuuksista johdettuihin funktionaalisiin muotoihin. Hänen tavoitteenaan on aina mahdollisimman viimeistelty lopputulos. Clopath opiskeli Lausannen taide- ja muotoiluyliopisto ECALissa. Hänen töitään on esitelty kansainvälisesti Milanossa, Eindhovenissa ja Tokiossa, Kööpenhaminan Designmuseum Danmarkissa sekä Hyères'in Villa Noailles -taidekeskuksessa Ranskassa. Clopath palkittiin Swiss Federal Design Award -muotoilutunnustuksella vuonna 2014.

SVENSKA
“Sedan 2012 har jag utforskat olika produktionsprocesser för bestick, bordsserviser och köksredskap, allt från traditionella arbetskrävande och hantverksmässiga metoder till industriella och avancerade datoriserade processer. I den pågående forskningen ingår en serie köksredskap i trä som delvis produceras av en numeriskt programmerad maskin (CNC). Flera av föremålen är lackerade med urushi, eller formsprutade. Det finns även bordsserviser tillverkade genom “jiggering”, utstansade, formade och polerade (eller lasersintrade) bestick i rostfritt stål, och formsprutade skedar i termoplastisk harts.”

Carlo Clopath, född 1986, är en schweizisk industridesigner. Clopath fokuserar på funktionell form utvecklad utifrån materielens egenskaper med målet att resultatet ska bli det bästa möjliga. Han har studerat vid École cantonale d'art, ECAL, i Lausanne. Clopath har visat sina verk i Milano, Eindhoven, Tokyo, Köpenhamn, på Designmuseum Danmark samt på Villa Noailles, belägen på en av kullarna ovanför staden Hyères i sydvästra Frankrike. Han var en av mottagarna av schweiziska satens designpris 2014.

ENGLISH
“Since 2012, I have been exploring different production processes for cutlery, tableware and kitchen utensils: from traditional, labour-intensive artisanal methods to industrial respectively advanced, computerised processes. My ongoing research includes a series of wooden kitchen tools partly produced by a CNC machine – several coated with urushi lacquer, injection moulded or jiggered porcelain tableware, stamped, formed and polished (respectively laser sintered) stainless steel cutlery and injection moulded thermoplastic resin spoons.”

Carlo Clopath, born 1986, is an industrial designer from Switzerland. Clopath focuses on functional forms developed from the materials’ characteristics. He aims for the most perfected results possible. Carlo Clopath studied at Lausanne University of Art and Design (ECAL). Clopath has exhibited his work internationally in Milan, Eindhoven, Tokyo, in Copenhagen at the Designmuseum Danmark and at the Villa Noailles in Hyères, France. He was awarded a Swiss Federal Design Award in 2014.

Christophe Guberan & Skylar Tibbits / Self-Assembly Lab MIT

SUOMI
TEHDAS-näyttelyssä esiteltävä Pneumatic Objects koostuu MIT-yliopiston Self-Assembly Labin ja sveitsiläissuunnittelija Christophe Guberanin luomista 3D-tulostetuista puhallettavista teoksista. Rapid Liquid Printing (nopea nestetulostus) on Self-Assembly Labin kehittämä uusi tulostusprosessi. Sen avulla voidaan luoda suuria, räätälöityjä, dynaamisia tuotteita, joilla on monimutkaisia muotoja, kammioita, mutkikkaita pintoja ja muita ainutlaatuisia ominaisuuksia. Robotti "piirtää" esineen nestemäisellä materiaalilla geelisuspensiosäiliöön ja puhaltaa sen täyteen muotoonsa. Tämä tulostusprosessi mahdollistaa suurikokoisten esineiden yksilöllisen tuotannon muutamassa minuutissa, mittakaavaltaan aina maljakosta kattokruunuun. Jokainen tuote voidaan tyhjentää, varastoida, kuljettaa ja täyttää uudelleen. Tuotteiden valmistaminen Rapid Liquid Printing -ohjelmalla voidaan nähdä taiteellisena prosessina, joka ei ole sidottu tiettyyn skaalaan tai painovoimaan. Menetelmä avaa uusia suuntia suunnittelutyölle, tuotannolle, yhtenäisyydelle, logistiikalle ja tuotteen elinkaarille.

MIT Self-Assembly Lab -tiimiin kuuluvat Bjorn Sparrman, Schendy Kernizan, Jared Laucks ja Skylar Tibbits. He ovat tehneet yhteistyötä arkkitehti ja tuotesuunnittelija Christopher Guberanin kanssa vuodesta 2014 lähtien.

SVENSKA
Liquid to Air: Pneumatic Objects består av 3D-utskrivna luftfyllda verk av Self-Assembly Lab, MIT, och den schweiziske designern Christophe Guberan. Med Rapid Liquid Printing, en utskriftsmetod utvecklad Self-Assembly Lab, kan de ta fram stora, skräddarsydda, dynamiska produkter med komplicerade former, inre håligheter och invecklade ytor. Varje objekt “ritas” av en robot suspenderad i en tank fylld med gel och blåses upp till den önskade formen. Utskriftsprocessen möjliggör individuell tillverkning av storskaliga objekt på några minuter, vare sig det rör sig om en liten vas eller en stor ljuskrona. Alla produkter kan tömmas på luft, lagras, levereras och fyllas med luft på nytt. Med Rapid Liquid Printing kan industriell tillverkning omtolkas som en konstnärlig praktik, som inte begränsas av proportioner eller tyngdkraft, där vi kan omvärdera formgivning, tillverkning, likformighet, logistik och produkternas livscykler.

Bjorn Sparrman, Schendy Kernizan, Jared Laucks och Skylar Tibbits ingår i Self-Assembly Lab-teamet på MIT, Massachusetts Institute of Technology. De har samarbetat med arkitekten och produktdesignern Christopher Guberan sedan 2014.

ENGLISH
Pneumatic Objects presented in FACTORY is a collection of 3D-printed inflatable works by the Self-Assembly Lab MIT and Swiss designer Christophe Guberan. Using Rapid Liquid Printing, a new printing process developed by the Self-Assembly Lab, large, customised, dynamic products can be crafted with complex shapes, internal chambers, and intricate surfaces. Each pneumatic object is first “drawn” by a robot in a tank of gel suspension and then inflated to its intended shape. This printing process enables the individualised production of large-scale objects in a matter of minutes, ranging in scale from a vase to a chandelier. Each product can be deflated, stored, shipped, and then inflated again. With Rapid Liquid Printing, manufacturing can be reimagined as an artistic experience unlimited by scale or gravity, inviting us to rethink design, production, uniformity, logistics, and product life cycles.

The MIT Self-Assembly Lab Team is comprised of Bjorn Sparrman, Schendy Kernizan, Jared Laucks, and Skylar Tibbits. They have been collaborating with architect and product designer Christopher Guberan since 2014.

Enzo Mari & Danese

SUOMI
Italialainen Enzo Mari loi vuonna 1958 pöytäkoristeen yksittäisestä päistään taivutetusta I-mallisen teräspalkin osasta. Mari pyrkii suunnittelussaan aina haastamaan nykytilanteen. Hän on kuvannut lähestymistapaansa suunnittelutyöhön: ”Minulla on teollinen esine, puhdas ja hurmaava esine. Teen pienen muutoksen, otan mukaan ristiriitaisen elementin – sitä on muotoilu.” Vaikka ajatusta esivalmistetun tuotteen muuntamisesta tuskin voidaan nähdä uutena, Mari on luonut genren sisällä jotakin ainutlaatuista. Marin Putrella-tarjotin on siirtymä tehtaalta ruokapöydän äärelle. Pöytäkoristeessa yhdistyvät niin taide, käsitteellinen muotoilu kuin arkkityyppinen muotokieli.

SVENSKA
1958 skapade italienaren Enzo Mari en bordsdekoration av stycke H-balk, som böjts upp i ändarna. Mari, en designer som alltid strävar efter att utmana status quo, beskrev en gång sitt designarbete så här: “Jag hade ett industriföremål, ett rent och vackert föremål, jag gör en liten förändring, jag för in ett oförenligt element, det är design.” Trots att idén att förändra en fabrikstillverkad produkt knappast kan beskrivas som ny, har Mari skapat någonting unikt inom genren. Med Putrella gick Mari från fabriken till matbordet och kombinerade konst, konceptuell design och arketypisk form i ett dekorativt och användbart föremål.

ENGLISH
In 1958, Italian Enzo Mari created a table centrepiece from a single segment of I-beam steel, bent at its ends. Mari, a designer always seeking to challenge the status quo, once described his approach to design thus: “I had an industrial object, a pure, lovely object – I make a small change, I introduce a discordant element – that is design.” Although the idea of altering a product that is pre-manufactured could hardly be described as new, Mari has created something unique within the genre. With the Putrella tray, Mari transitioned from the factory to the dinner table, combining art, conceptual design and archetypal form in one decorative item: the centrepiece.

Fiskars

SUOMI
1700-luvun Suomessa perustettiin useita metalliruukkeja. Pohjan seudun suuret metsäalueet, valjastamaton vesivoima ja hyvät vesireitit tekivät siitä ihanteellisen keskuksen Suomen rautateollisuudelle. Billnäsin ruukki perustettiin vuonna 1641. Fiskars aloitti toimintansa vuonna 1649, ja nykyään se on yksi vanhimmista yhä toiminnassa olevista länsimaisista yrityksistä. 1700-luvulla Fiskars valmisti valurautaa ja taottuja tuotteita. Nykyään Fiskars-konserni on kasvanut johtavaksi käyttöesineiden ja kodin tuotteiden yritykseksi. Konsernin brändiportfolioon kuuluu vahvoja tuotemerkkejä, kuten Fiskars, Iittala, Gerber, Wedgewood ja Waterford.

Fiskars esittelee TEHDAS-näyttelyssä uuden Norden-kirvesvalikoimansa, joka voitti arvostetun Best of the Best -palkinnon vuoden 2019 Red Dot Design Awards -kilpailussa. Petteri Masalinin suunnittelemassa tuotevalikoimassa on ainutlaatuinen ja ensiluokkainen hikkoripuinen kahva, joka on suojattu FiberCompTM-pinnoitteella, joka tekee kahvasta käytännöllisesti katsoen rikkoutumattoman säilyttäen samalla luontaisen, hienostuneen puisen ulkomuodon ja käsituntuman. Terän ja varren liitäntä pitää kirveenpään turvallisesti ja tukevasti lukittuna varteensa. Puisilla Norden-kirveillä Fiskars palaa kirveskäsityön juurille.

SVENSKA
Under 1600-talet grundades flera järnbruk i Finland. I västra Nyland fanns omfattande skogar, outnyttjad vattenkraft och goda vattenleder, vilket gjorde området till ett utmärkt centrum för den finländska järnindustrin. Antskogs bruk grundades kring år 1630 och bruket i Billnäs år 1641. Fiskars fick sin start år 1649, och i dag är bolaget ett av de äldsta västerländska företagen och det äldsta i Finland. Under 1600-talet tillverkade Fiskars gjutna och smidda produkter. I dag är Fiskars ett ledande företag med funktionella produkter och livsstilsvarumärken, med en portfölj av internationellt kända varumärken som Fiskars, Iittala, Gerber, Iittala, Wedgewood och Waterford.

På FABRIK visas de nya yxorna i serien Norden som belönades med det prestigefyllda 2019 Red Dot Design Awards, i Best of the Best-kategorin. Petteri Masalin, VVD R&D Fiskars, har designat serien. Yxan har ett högkvalitativt skaft av hickory, det första i sitt slag, med FiberCompTM overstrike protection, vilket gör skaftet praktiskt taget oförstörbart och ger det ett utseende och en känsla av handsnickrat trä. Glasfiberförstärkningen håller yxhuvudet tryggt på plats på skaftet. Med nya Norden yxor, har Fiskars återgått till sina yxhantverkare rötter.

ENGLISH
A number of ironworks were founded in Finland in the seventeenth century. The large tracts of forestland in the Pohja region, as well as its unharnessed water power and good water routes, made it an ideal centre for the Finnish iron industry. The ironworks at Billnäs followed in 1641. Fiskars was founded in 1649, and is today one of the oldest businesses in the Western world. During the seventeenth century, Fiskars manufactured cast iron and forged products. Today, Fiskars Group has grown to become a leading functional and living products company with a strong brand portfolio, including Fiskars, Iittala, Gerber, Wedgwood and Waterford.

At FACTORY, Fiskars will present the new Norden range of axes which won the prestigious Best of the Best category at the 2019 Red Dot Design Awards. Designed in-house by Petteri Masalin, the range features a first-of-its-kind high-quality hickory wood handle with FiberCompTM over-strike protection, making the handle virtually unbreakable while at the same time offering a natural look and feel thanks to the fine-crafted wood. The secure over-moulded head-shaft connection keeps the head locked safely to the shaft. With the wooden Norden axes, Fiskars has returned to its axe craftmanship roots.

Gino Sarfatti / Galerie kreo

SUOMI
Gino Sarfatti (1912–1984) ei ollut koulutukseltaan käsityöläinen eikä myöskään muotoilija. Alun perin ilmailuteknikkona työskennellyt Sarfatti toteutti muotoiluideoitaan tiiviissä yhteistyössä artesaanien kanssa. Yhteistyöprojektien kautta Sarfatti oppi improvisoimaan ja löytämään älykkäitä ja luovia tapoja rakentaa valaisimia. Sarfatti suunnitteli Artluce-yritykselleen yli 600 valaisinta. Hänen työnsä osoittaa, miten yritys voi toimia joustavasti ja kokeellisesti, kun se tuottaa vain pieniä sarjoja, ja siten säilyttää runsaasti liikkumavaraa jatkuvalle innovoinnille.

SVENSKA
Gino Sarfatti (1912–1984), som varken var hantverkare eller designer utan luftfartsingenjör, arbetade tätt tillsammans med hantverkare i sina verk. Genom att samarbeta lärde sig Sarfatti att improvisera och hitta smarta och kreativa sätt att konstruera belysningar. I sitt företag Artluce tog Sarfatti fram över 600 lampmodeller. Hans arbete visar hur ett företag kan vara flexibelt och experimentellt när man bara tillverkar små serier, och ständigt tar höjd för nyskapande och uppfinnande.

ENGLISH
By training neither craftsman nor designer, but aeronautical engineer, Italian Gino Sarfatti (1912–1984) worked closely with artisans in developing his creations. Through collaboration, Sarfatti learned to improvise and find clever and creative ways to construct lights. For his company Artluce, Sarfatti developed more than 600 lighting pieces. His work shows how a company can be flexible and experimental when they produce only small series, keeping plenty of room for constant innovation and invention.

Giulio Ridolfo & Kvadrat

SUOMI
Giulio Ridolfo imee intuitiivisesti itseensä ympärillään olevia värejä ja luo niistä värisommitelmia. Sävyt nousevat esiin matkamuistoista, aikakauslehdistä, valokuvista ja muista löydetyistä esineistä. Yhdessä ne toistavat tietyn maantieteellisen sijainnin värimuodossa. Kun Ridolfo on tyytyväinen asetelmaan, hän alkaa työstää sitä spektrofotometrin avulla. Värimittauslaite näyttää asetelman sävyt ja muuntaa ne tarkoiksi numeroiksi: syaani, magenta, keltainen ja musta (CMYK). Lopuksi sävyt viritetään väripaletiksi ja niitä käytetään tekstiileihin, kuten tanskalaisvalmistaja Kvadratin Steelcut Trio -kankaassa. Ridolfo värjää lankoja sen sijaan että värjäisi koko kankaan. Jokaisen loimen ja kuteen värivalikoima koostuu kolmesta erivärisestä langasta, jotka yhdessä muodostavat tekstiilin lopullisen väriulottuvuuden.

SVENSKA
Genom att intuitivt absorbera de färger som finns runt omkring honom skapar Giulio Ridolfo färgkompositioner som består av funna objekt, souvenirer från resor, urklipp ur tidskrifter, foton och andra föremål. Tillsammans avbildar de en specifik geografisk plats i färger. När Rodolfo är nöjd med stillebenet börjar han arbeta med en spektrometer. Det optiska instrumentet analyserar ljusets våglängder och översätter dem i exakta numeriska koder: cyan, magenta, yellow (gult) och black (svart) (CMYK). Slutligen stäms nyanserna av mot en färgpalett och används för att designa textilier, som Steelcut Trio för danska Kvadrat. I stället för att färga in tyget har Roberto valt att färga in garnet. Varje färgschema i ränningen och inslaget består av garn i tre olika färger som tillsammans ger väven dess slutliga färgdjup.

ENGLISH
By intuitively absorbing the colours that surround him, Giulio Ridolfo creates colour compositions comprised of hues from found objects, travel souvenirs, magazine cut-outs, photos and other items. Put together, they reproduce a specific geographical location in colours. Once satisfied with the still life, Ridolfo begins working with a spectrophotometer. The colour measurement device screens the still-life’s tones and translates them into exact numeric codes: cyan, magenta, yellow and black (CMYK). Finally, the hues are tuned into a colour palette and applied to textiles, such as the Steelcut Trio fabric for Danish producer Kvadrat. Instead of piece-dying, Ridolfo has opted for a yarn dying process. Each colourway of the warp and weft is composed of yarns in three different colours, which together create the final depth of the textile’s colour.

Glass Hill & Woodshop on Fogo Island / Shorefast Foundation

SUOMI
Fogon saarella Kanadan Newfoundlandissa sijaitseva puusepänverstas The Woodshop on Fogo Island työllistää paikallisia käsityöläisiä luomaan käsintehtyjä huonekaluja ja kalusteita. Puuseppätoiminta jatkaa ja vahvistaa vuosisatoja vanhaa kulttuuria, jossa huolellisuus, käsityö, kekseliäisyys ja ilo ovat avainsanoja. Tuotteet suunniteltiin alun perin käytettäväksi maailmankuulussa Fogo Island Inn -hotellissa. Woodshopissa valmistetut huonekalut ovat syntyneet innovatiivisena yhteistyöprojektina paikallisten puukäsityöläisten ja kansainvälisten suunnittelijoiden välillä.

TEHDAS-näyttelyssä esitellään Glass Hillin suunnittelema eteispenkki Entrance Bench. Se toimii luotettavana sisääntuloseuralaisena ja kannustaa hetken hengähdykseen vilkkaan arjen keskellä. Glass Hill keskittyy yksityiskohtiin ja asiayhteyteensä sopivien innovatiivisten suunnitteluratkaisujen luomiseen. Glass Hill on suunnitellut lukuisia huonekaluja – kuten ruokailutuoleja, jakkaroita ja eteispenkin – Fogo Island Inniin sekä Woodshopin muihin hankkeisiin.

SVENSKA
The Woodshop on Fogo Island, Newfoundland, anlitar lokala hantverkare som tillverkar handgjorda möbler och inredningar, och för vidare och stärker en månghundraårig kultur styrd av omsorg, hantverk, påhittighet och glädje. Möblerna, som ursprungligen tillverkades i The Woodshop för interiören på internationellt kända Fogo Island Inn, är resultatet av en kollaborativ process mellan lokala snickare och internationella designers.

Entrance Bench, som visas på FABRIK, är formgiven av Glass Hill för The Woodshop on Fogo Island. Det är en pålitlig tamburmöbel som ger sken av bekymmerslös ordning i livets mest kaotiska ögonblick. Glass Hill fokuserar på detaljer och sammanhang för att skapa passande och innovativa lösningar och de är delaktiga i ett flertal designprojekt för Fogo Island Inn och The Woodshop, bland annat matsalsstolar och pallar, utöver Entrance Bench.

ENGLISH
The Woodshop on Fogo Island employs local artisans to create handmade furniture and furnishings on Fogo Island in Newfoundland, Canada that share and strengthen a centuries-old culture characterised by care, craft, ingenuity, and joy. Originally conceived for use in the world-renowned Fogo Island Inn, the pieces made in the Woodshop are the result of an innovative collaborative design process between local woodworkers and international designers.

Designed by Glass Hill for the Woodshop on Fogo Island, the Entrance bench exhibited in FACTORY is a dependable front hallway companion that encourages some semblance of easy organisation during life’s busiest moments. Glass Hill focuses on detail and context to create appropriate and innovative design solutions, and has contributed a number of designs to the Fogo Island Inn and Woodshop projects, including dining room chairs, stools, and the Entrance Bench.

Heikki Aska

SUOMI
”Hyvässä suunnittelussa on ensiarvoisen tärkeää kiinnittää huomiota toimiviin yksityiskohtiin ja laadukkaaseen toteutukseen, unohtamatta kokonaisuutta. Olen jostain syystä tosi kiinnostunut tuoleista ja piirtelen niitä aika usein. Suunnittelu lähtee luonnollisesti aika yksinkertaisista viivapiirroksista. Aika pian siirryn verstaalle toteuttamaan ensimmäisiä malleja. Ihan ensimmäisenä tuote syntyy päässä, sen näkee mielessään. Sieltä se on jollain saatava ulos ja toteutettua oikeasti. Inspiraationa toimii usein aiemmissa töissä vastaa tulleet muodot tai leikkaukset. Luonnon aiheet ovat myös äärimmäisen kiinnostavia.”

Askan projektia ovat tukeneet Fiskarsin Laatupuu Oy, HVL Hollolan Viilu ja Laminaatti Oy sekä Saarikorpi Design.

SVENSKA
“I god design är det synnerligen viktigt att beakta funktionella detaljer och kvalitativt genomförande, utan att för den skull glömma helheten. Av någon anledning är jag väldigt intresserad av stolar och jag tecknar dem ganska ofta. Designen utgår på ett naturligt sätt från ganska enkla streckteckningar. Ganska snart går jag över till verkstan för att sätta ihop de första modellerna. Allra först uppstår produkten i huvudet, jag ser den i tankarna. Därifrån ska den fås ut och förverkligas på riktigt. Som inspiration fungerar ofta nya former och snitt ur tidigare verk. Naturteman är också ytterst intressanta.”

Askas projekten har fått stöd från Fiskarsin Laatupuu Oy, HVL Hollolan Viilu ja Laminaatti Oy och Saarikorpi Design.

ENGLISH
“Good design requires prioritising functional details and top-quality execution without forgetting the big picture. For some reason I have been very interested in chairs and I often sketch them. The design starts off with very simple line drawings. Quite soon afterwards I head over to the workshop to make the first prototypes. The very first product is born in my head, I can visualise it in my mind. I then have to find a way to bring it out and make it a reality. My inspiration is often in the shapes and cuts I have encountered in my previous work. I also find nature-related topics very fascinating.”

Aska’s project is supported by Fiskarsin Laatupuu Oy, HVL Hollolan Viilu ja Laminaatti Oy and Saarikorpi Design.

Hella Jongerius & Nymphenburg / Royal Tichelaar Makkum / Thomas Eyck

SUOMI
Hollantilainen suunnittelija Hella Jongerius on ollut aikamme kriittisimpiä ääniä ottaessaan kantaa käsityöläisyyden rooleihin muotoiluteollisuudessa. Big White Pot ja Red White Vase perustuvat keskiaikaisella keramiikalla tehtyyn kokeiluun, jossa käytettiin posliinia, keskiaikaisia sirpaleita ja spraymaalilakkaa. Jongerius loi Boijmans Van Beuningen -museon kutsusta seitsemän maljakon prototyyppiä liimaamalla keskiajalta peräisin olevia sirpaleita muinaisiin malleihin perustuviin posliiniruukkuihin. Hän korvasi myrkyllisen kadmiumlasitteen punaisella ja hopeanvärisellä spraymaalilla. Ollessaan sen jälkeen taiteilijaresidenssissä EKWC-keskuksessa Jongerius käytti näitä muotteja valaakseen kaksi posliinista ruukkua. Nyt Thomas Eyck valmistaa Big White Pot- ja Red White Vase -ruukkuja sarjatuotantona. Karkeat valusaumat ja perinteinen savenvalajan peukalonjälki luovat vaikutelman antiikkisista ruukuista, kun taas vahvat, tukevat muodot ovat selkeä muistutus modernista teollisuudesta.

SVENSKA
Den holländska designern Hella Jongerius är en av de hårdaste samtida kritikerna när det gäller hållbarhet och hantverkskunnande i formgivarbranschen. Big White Pot och Red White Vase är resultatet av ett experiment med medeltida keramik där hon har använt porslin, medeltida skärvor och lackspray. På inbjudan av Museum Boijmans Van Beuningen tog Jongerius fram sju vasprototyper genom att limma fast orginalskärvor från Medeltiden på porslinskärl skapade enligt urgamla metoder. Hon ersatte den giftiga kadmiumglasyren med sprayfärg i rött och silver. Under en vistelse som residenskonstnär på European Ceramic Work Center använde hon formarna för att gjuta två vaser i porslin. Big White Pot och Red White Vase serietillverkas nu av Thomas Eyck. De ojämna gjutsömmarna tillsammans med krukmakarens traditionella tumavtryck ger intryck av antika kärl medan de starka och solida formerna är ett tydligt tecken på modern industriformgivning.

ENGLISH
Dutch designer Hella Jongerius has taken some of the most critical contemporary stances on craftsmanship in the design industry. The Big White Pot and the Red White Vase are based on an experiment with medieval pottery using porcelain, medieval shards and spray paint lacquer. Invited by the Museum Boijmans Van Beuningen, Jongerius created a set of seven vase prototypes by gluing original medieval shards onto porcelain pots derived from ancient typologies. She replaced toxic cadmium glaze with red and silver spray paint. Then, during an artist’s residency at the EKWC, Jongerius utilised these forms to cast two pots in porcelain. The Big White Pot and the Red White Vase are now serially produced by Thomas Eyck. The rough casting seams, along with the potter’s traditional thumbprint, give the impression of antique vessels, while the strong, solid forms are a clear indication of modern industry.

Helmi Liikanen & Lapuan Kankurit

SUOMI
”Nykypäivänä yhä useammat arkiset kokemuksemme tapahtuvat digitaalisessa ja immateriaalisessa muodossa. Haluan tekstiilisuunnittelullani tuoda koteihin miellyttävän struktuurisia ja lämpimiä kokemuksia. Kaikki tieto ei ole koodattavissa, vaan ymmärrämme hyvin paljon hiljaisen tiedon ja kosketuksen kautta. Käsin kudonta työskentelymetodina tuo kosketuksen suunnitteluprosessin keskiöön. Kutoja asettuu aivan kuin kangaspuiden osaksi, tuoden mukaan muistonsa, visionsa ja kehollisen tietonsa. Välitön kehollinen yhteys pellavaan mahdollistaa materiaalin kuuntelun ja intuitiivisen ideoinnin suunnitteluprosessissa. Lanka langalta erilaiset ideat ja kokeilut tulevat näkyviksi.”

Helmi Liikanen työskentelee kudottujen kankaiden, värien ja pintasuunnittelun parissa Helsingissä ja Rotterdamissa, Alankomaissa. Suunnittelun keskiössä on tyylillinen ja laadullinen pitkäikäisyys sekä herkkyys, intuitiivisuus ja värien tutkailu. Yhteistyö Lapuan Kankureiden kanssa syntyi osana Liikasen maisteriopintoja. Pellavaiset mallit Lehti ja Aava suunniteltiin varsipuilla ja lopullinen muoto löytyi Lapuan tehtaan osaajien käsittelyssä teollisilla kangaspuilla.

SVENSKA
“Idag äger allt fler av våra vardagliga upplevelser rum i digital och immateriell form. Jag vill att mina textilier ska tillföra hemmen lustbetonat strukturerade och värmande upplevelser. All information låter sig inte kodas, utan vi förstår väldigt mycket genom tyst kunskap och beröring. Handvävningen som arbetsmetod gör beröringen till något centralt i designprocessen. Vävaren intar sin plats som en del av vävstolen, och tar med sig sina minnen, visioner och kroppsliga kunskaper. Den omedelbara kroppsliga kontakten med linnet gör det möjligt att lyssna på materialet och tänka intuitivt i designprocessen. Tråd för tråd blir olika idéer och experiment synliga.”

Helmi Liikanen arbetar med vävda tyger, färger och surface design i Helsingfors och Rotterdam i Nederländerna. Centralt i designen är att produkterna stilmässigt och kvalitetsmässigt ska leva länge och vara känsliga, intuitiva och färgmässigt undersökande. Samarbetet med Lapuan Kankurit inleddes som en del av Liikanens magisterstudier. Linnemönstren Lehti och Aava designades med vävskaft och det slutliga utseendet togs fram av experterna på fabriken i Lappo med industrivävstol.

ENGLISH
“These days many of our everyday experiences take place in a digital or immaterial form. I want to bring pleasantly structured and warm experiences to homes with my textile design. Not all information can be coded. We gain a lot of understanding through tacit knowledge and touch. Hand-weaving as a working method grants touch a central role in the design process. The weaver, in a way, becomes part of the loom. In this way, all her memories, visions and corporeal knowledge are also transmitted. The direct physical connection with the linen makes it possible to listen to the material and to form concrete ideas in the design process. Thread by thread, different ideas and experiments become visible.”

Helmi Liikanen works with woven fabrics, colours and surface design in Helsinki, Finland and Rotterdam, the Netherlands. She bases her work around a stylistic and quality-driven durability, as well as sensitivity, intuition and colour studies. Liikanen’s collaboration with the Finnish textile house Lapuan Kankurit came into being as a part of her Master’s studies. The linen designs Lehti and Aava were designed on a handloom, and the final shape was created on an industrial loom in the expert hands of the weavers at the Lapuan Kankurit factory.

Ingo Maurer

SUOMI
”Työskentelyni on pitkälti käsityötä. Mielestäni on hyvä luoda tuote, joka tuntuu siltä, että se on tehty käsin. Että tämän ymmärtää välittömästi ilman selitystä. En pidä mahtailusta. Minulle on tärkeää, että mukana on tunteikkuutta. En tee sitä tarkoituksella, mutta se vain tulee ulos minusta.”

Vuonna 1932 syntynyt Ingo Maurer aloitti poikkeuksellisten lamppujen ja valaisimien kehittämisen vuonna 1966. Hänen yrityksensä Ingo Maurer GmbH valmistaa ja myy tuotteitaan maailmanlaajuisesti. Yrityksen tunnetuimpia sarjatuotantomalleja ovat Bulb (1966), pienjännitevalaisin YaYaHo (1984) ja siivekäs lamppu Lucellino (1992). TEHDAS esittelee Maurerin vuonna 1992 suunnitteleman Birds Birds Birds -kattokruunun.

”Birds Birds Birds perustuu teokseen, jonka tein vuonna 1986 Fondation Cartierissa järjestettyyn näyttelyyn. Teos oli hehkulamppu, jolla oli siivet. Syy siihen, miksi muutin sen kattokruunuksi paljon myöhemmin, on se, että tuolloin kattokruunuista tuli trendikkäitä. Birds Birds Birdsin tarkoitus oli ivailla tälle.”

SVENSKA
“Mitt arbete baseras för det mesta på handens verk. Jag tror att det är bra med produkter som ger en känslan av att handen är inblandad. Som man förstår med detsamma och som inte behöver förklaras. Jag ogillar anspråksfullhet. För mig är det viktigt att emotionaliteten känns. Inte med avsikt, det är bara något hos mig som kommer ut.”

Ingo Maurer, f. 1932, började ta fram ovanliga lampor och belysningssystem 1966, som hans företag, Ingo Maurer GmbH, fortfarande tillverkar och säljer över hela världen. Bland hans mest kända formgivningar för serieproduktion återfinns Bulb (1966), lågspänningssystemet YaYaHo (1984) och den bevingade lampan Lucellino (1992). På FABRIK visas ljuskronan Birds Birds Birds från 1992.

“Birds Birds Birds baseras på ett verk jag gjorde 1986 för en utställning på Foundation Cartier. Det var en glödlampa med vingar. Anledningen till att jag senare gjorde om det till en ljuskrona är att det då hade blivit trendigt med sådana belysningar. Birds Birds Birds var menad som en drift med den trenden.”

ENGLISH
“My work is mostly based on handcraft. I think it is good for a product to give you a feeling that a hand has been involved. That it is immediately understood and does not need explanation. I dislike pretension. It is important to me that the emotional quality is tangible. Not by intention, but it just comes out of me.”

Ingo Maurer, born in 1932, started developing extraordinary lamps and lighting systems in 1966, which his company, Ingo Maurer GmbH, produces and sells worldwide. His best-known designs for serial production include Bulb (1966), the low-voltage system YaYaHo (1984) and the winged lamp Lucellino (1992). FACTORY will present the Birds Birds Birds chandelier, which Maurer designed in 1992.

“Birds Birds Birds is based on a work I did in 1986 for an exhibition at the Fondation Cartier. The work was a light bulb with wings. The reason why I turned it into a chandelier much later is that chandeliers were becoming trendy at the time. Birds Birds Birds was meant as a mockery of that.”

Isaac Reina

SUOMI
Isaac Reina opiskeli kotikaupungissaan Barcelonassa muotoilua ja arkkitehtuuria sekä sai ensikosketuksen studiotyöskentelyyn Antonio Mirón ateljeessa. Näiden kokemusten jälkeen hän siirtyi Hermès’lle työskentelemään miesten valmisvaateateljeessa Véronique Nichanian alaisuudessa. Hän työskenteli laajasti miesten vaatesuunnittelun parissa lukuun ottamatta asusteita. Vuonna 2006 Reina lanseerasi omaa nimeään kantavan nahkatarvikemerkin ja avasi pian ensimmäisen myymälänsä. Hän on inspiroitunut tietyistä arkkitehtuurin ja muotoilun mestareista, mutta ennen kaikkea geometriasta.

TEHDAS esittelee Reinan laukkuja ja pieniä nahkatuotteita. Standard-laukut ovat yksi brändin ensimmäisistä malleista. Laukut on valmistettu ilman vuorta korostamaan nahan keveyttä ja joustavuutta materiaalina. Laukuissa on origami-tyylisiä taitoksia, jotka tekevät säilytyksestä helpompaa viemättä liian paljon tilaa. Muodoltaan pyöristetymmissä Bond-laukuissa on yksinkertaiset saumat, joita vahvistavat sisäpuolella olevat nahkaliitokset ilman tyypillistä klassista ulkonevaa saumaa. Malliston pienempiä tuotteita ovat korttitaskut, lompakot, kansiot, hiirimatot ja pöytätabletit.

SVENSKA
Efter att först ha studerat arkitektur och sedan mode i hemstaden Barcelona arbetade Isaac Reina hos modedesignern Antonio Mirò. I slutet av 1990-talet anställdes han på Hermès under Véronique Nichanian. Där skapade han kompletta kollektioner för män, med undantag av accessoarerna.

2006 lanserade han sin egen kollektion skinnaccessoarer och kort därefter öppnade han sin första butik. Reina inspireras av mästarna inom arkitektur och design, men mest av allt av geometrin.

På FABRIK visas väskor och mindre accessoar i skinn av Reina. Standardväskorna, en av varumärkets första designer, är ofodrad för att accentuera lättheten och smidigheten hos skinnet. Den konstfulla vikningen av skinnet gör det lätt att förvara saker utan att det blir skrymmande. Bondväskorna är rundare till formen, med enkla sömmar, och på insidan förstärkta med snedremsor i skinn, men utan de klassiska rulåerna på utsidan. Kollektionen omfattar en rad mindre artiklar som kortfodral, plånböcker och portmonnäer, mappar och musmattor.

ENGLISH
After studying design and architecture in his native Barcelona and getting his first work experience in Antonio Miró’s studio, Isaac Reina joined Hermès at the men’s ready-to-wear studio directed by Véronique Nichanian. He worked on the entire male wardrobe (excluding accessories). In 2006, he launched his eponymous line of leather accessories and soon opened his first store. Reina takes inspiration from certain masters of architecture and design. His most important inspiration however is geometry itself.

FACTORY will exhibit bags and small leather items by Reina. The Standard bags are one of the brand’s first designs, made without lining to highlight the lightness and suppleness of the leather. An origami folding system has been designed to make storing them easier without taking up too much space. The Bond bags are more rounded and constructed with simple seams, reinforced by leather bias on the inside, without classic external piping. A series of smaller items include card holders, wallets, binders, mouse and desk pads.

Isamu Noguchi & Ozeki Workshop / Vitra

SUOMI
Japanilainen kuvanveistäjä Isamu Noguchi alkoi suunnitella Akari-valoveistoksia vuonna 1951. Jokainen valaisin on huolellisesti käsin muotoiltu Ozeki-työpajassa, Japanin Gifussa toimivassa perinteisessä perheyrityksessä. Luomistyön ensimmäinen askel on tehdä kehikko, joka määrittää esineen muodon. Tämä tapahtuu pingottamalla bambukeppejä Noguchin suunnittelemien alkuperäisten puumuottien päälle. Seuraavassa vaiheessa mulperipuun kuoresta valmistettua washi-paperia leikataan kaistaleiksi lampun koon ja muodon mukaan ja liimataan bambuihin. Kun liima on kuivunut, puinen kehikko poistetaan ja varjostin voidaan taitella muotoonsa.

SVENSKA
Den japanske skulptören Isamu Noguchi började göra sina Akari ljusskulpturer 1951. Varje komplett ljusenhet tillverkas för hand i ateljén hos Ozeki, som är ett traditionellt familjeägt företag beläget i Gifu i Japan. Arbetet inleds med tillverkningen av stommen som bestämmer objektets form. Detta görs genom att spänna bambukäppar över de ursprungliga träformar som designades av Noguchi. Washipapper, tillverkat av mullbärsträdets bark, skärs sedan i remsor som passar lampans form och limmas fast på ställningen av bambu. När limmet har torkat tas träformen bort och skärmen kan vikas ihop.

ENGLISH
The Japanese sculptor Isamu Noguchi began designing the Akari Light Sculptures in 1951. Each luminaire is meticulously crafted by hand in the Ozeki workshop, a traditional family-run company based in Gifu, Japan. The creation starts with the framework that will determine the object’s shape. This is done by stretching bamboo rods across the original wooden forms designed by Noguchi. Washi paper, derived from the bark of the mulberry tree, is then cut into strips to fit the size and shape of the lamp and glued to the bamboo ribbing. After the glue has dried, the wooden form is removed and the shade can be folded.

Jaakko Pakkala & Feathr

SUOMI
Jaakko Pakkala on työskennellyt Fiskarsissa yli kolmen vuosikymmenen ajan ja on yksi Onoma osuuskunnan perustajajäsenistä. Pakkalan töitä on ollut esillä laajalti muun muassa Helsingin Taidehallissa, Oulun taidemuseossa, Amos Andersonin taidemuseossa, sekä Kuntsin modernin taiteen museossa.

TEHDAS-näyttelyn teosta varten Pakkala on tehnyt yhteistyötä niin ikään Fiskarsissa toimivan Feathrin kanssa. Pakkala suunnitteli alkuun painokangasmalleja, joiden kautta yhteistyö taidetapetteja tuottavan yrityksen kanssa. JAZZ on akvarellimaalaus paperille, joka on suunniteltu moduulina eli kuva-aihe jatkuu pysty- ja vaakatasossa. Graafinen kuvio ei toistu samanlaisena vaan muuntelee ja liikkuu vapaasti jazzin tapaan. Käsityömäinen kädenjälki maalauksessa on tärkeää Pakkalalle, joka kokee sen olevan henkilökohtaisempi kuin teknisesti toteutettu printtikuvio. Kuva-aihe palautuu luonnossa tavattavien orgaanisten ja toisaalta ihmisen tuottamien epäorgaanisten muotojen leikkiin.

SVENSKA
Jaakko Pakkala har arbetat i Fiskars i över 30 år. Han är en av de medlemmar som var med om att grunda Andelslaget Onoma. Pakkalas verk finns brett representerade på bl.a. Konsthallen i Helsingfors, Uleåborgs konstmuseum, Amos Andersons konstmuseum och Kuntsi museum för modern konst.

Verket som ställs ut på FABRIK är ett samarbete med designbyrån Feathr, även den baserad i Fiskars. I början formgav Pakkala tygmönster, något som ledde till ett samarbete med Feathr som designar tapeter. JAZZ är en akvarellmålning på papper, designad i moduler, dvs. bildtemat fortsätter vertikalt och horisontellt. Den grafiska bilden upprepas inte som sådan utan den transformeras och rör sig hit och dit som ett jazzverk. För Pakkala är det hantverksmässiga avtrycket i målningen viktigt, han upplever det som mer personligt än ett printat mönster. Bildtemat återkommer i en lek med de organiska former som återfinns i naturen och de av människan producerade oorganiska formerna.

ENGLISH
Jaakko Pakkala has worked in Fiskars for three decades and he is one of the founding members of the Onoma cooperative. Pakkala's works have been exhibited widely in museums, including Kunsthalle Helsinki, Oulu Museum of Art, Amos Anderson Art Museum, and Kuntsi Museum of Modern Art.

For FACTORY, Pakkala collaborated with Feathr, a company also based in Fiskars. Pakkala first designed designs for print fabrics which led to a collaboration with Feathr, which specialises in art wallpaper. JAZZ is a watercolour painting produced on paper in modules, meaning that the motif continues both horizontally and vertically. The graphic pattern does not however repeat itself, but instead transforms and moves around freely, like jazz. Pakkala cherishes the handmade feeling of his painting. He feels this is a more personal approach than a technically executed print pattern. The motif of his work for FACTORY draws on both organic forms known from nature as well as on the playfulness of inorganic, human-made forms.

Jasper Morrison

SUOMI
Vuonna 1988 brittiläinen suunnittelija Jasper Morrison kutsuttiin osallistumaan Berliinissä pidettävään näyttelyyn Some New Items for the Home. Ettore Sottsassin Memphis-liike sai siihen aikaan paljon medianäkyvyyttä ajattelulla, joka Morrissonin mukaan sivuutti täysin jokapäiväisen elämän toiminnalliset vaatimukset. Vastauksena tähän Morrisson halusi luoda näyttelyyn 4x5 neliömetrin kokoisen huoneen, jossa vallitsee arkipäiväinen ilmapiiri. Hän tarvitsi huoneeseen tuolin ja päätti tehdä sen itse.

”Ostin pienen sähköisen kuviosahan ja vaneria, aloin leikata kappaleita 2D:nä ja sitten kokosin ne liimalla ja ruuveilla. Minulla oli rakenne, mutta tarvitsin istuimen. Löysin eräältä toimittajalta hyvin ohutta vaneria ja tajusin, että voisin liimata sitä runkoon kuin rumpukalvoa, mikä tekisi siitä myös hieman pehmeän.” Tästä syntyi Plywood chair, jota Vitra on valmistanut vuodesta 1989. Alkuperäisen tuolin tuotanto lopetettiin vuonna 2009, kun se vaikeutui teollisuuskalusteiden entistä tiukempien turvallisuusvaatimusten vuoksi. Vitra Design Museum on ottanut tuolin uustuotantoon.

SVENSKA
1988 blev den brittiske designern Jasper Morrison inbjuden att delta i utställningen Some New Items for the Home i Berlin. Som motvikt mot den av Ettore Sottsass bildade Memphisgruppen, som var hett stoff i pressen på den tiden men som enligt Morrison helt och hållet tycktes strunta i vardagslivets funktionella aspekter, planerade han att skapa vardagslivsstämning i ett rum på 4x5m2. Han behövde en stol till rummet och beslutade sig för att tillverka den själv.

“Jag införskaffade en liten elektrisk figursåg och lite plywood, skar ut delarna i 2-D och fogade ihop dem med lim och skruvar. Jag hade stommen, men jag behövde en stolsits. Jag hittade en leverantör av tunn plywood som jag skulle kunna limma fast på underredet, typ som ett trumskinn. Det skulle ge en viss fjärding.” Det här var upphovet till Plywood chair, som har tillverkats av Vitra sedan 1989. Produktionen stoppades 2009 när stolen föll offer för de allt striktare säkerhetskrav som ställdes på industriellt tillverkade möbler. Stolen på utställningen tillverkas nu av Vitra Design Museum.

ENGLISH
In 1988, the British designer Jasper Morrison was invited to participate in the Berlin exhibition Some New Items for the Home. In reaction to Ettore Sottsass’s Memphis movement, which was getting a lot of press at the time but seemed to Morrison to ignore the functional aspects of daily life completely, he planned to create an everyday atmosphere in a 4x5m2 room. He needed a chair for the room and decided to make it himself.

“I bought a small electric jigsaw and some plywood and started cutting the pieces out in 2-D before assembling them with glue and screws. I had the structure but needed a seat. I found a supplier of very thin plywood which I realised could be glued to the frame like a drum skin and which would provide a little softness.” This became the Plywood chair and was produced by Vitra from 1989. Production ended in 2009 as the chair fell victim to increasingly stringent security requirements for industrial furniture pieces. The exhibited chair is now produced as a re-edition by the Vitra Design Museum.

Jean Prouvé / Galerie Jousse Entreprise

SUOMI
”Prouvén rakenteet ilmentävät materiaalien ja välineiden taloudellisuutta. Hänen estetiikkansa on vastarinnan estetiikkaa, joskus jopa liioiteltua. Niinpä voiman vaikutussuorat, jännitteet ja tasapainopiste pyrkivät kohti dynaamista estetiikkaa. Akateemisuuden vastakohtana, mitä osoittaa esteettisyyden kieltäminen kauneuden osatekijänä, Prouvén rakennustyöt heijastavat aitoa teollista estetiikkaa, joka on muotoilun ja materiaalin välisen vuoropuhelun tulos.

Kun Prouvé alkaa ajatella huonekaluja, hän keskittyy rakenteeseen ja siten arkkitehtuuriin murtaen huonekalujen ja rakennusten välisen rajan. Näin hänen oli mahdollista suunnitella siirrettäviä taloja ja irrotettavia moduuleja, mikä aloitti arkkitehtuurin nomadismin aikakauden.”

– Philippe Jousse

SVENSKA
”Sparsamheten i material och medel är det som ligger till grund för Prouvés formgivning. Hans estetik handlar om att göra motstånd mot det estetiska, ibland till överdriftens rand. Kraften i linjerna, spänningen, balanspunkten, allt leder till en dynamisk estetik. Genom att stå emot det akademiska och stärkt av en vägran att se “det estetiska” som skönhetsfaktor kulminerar hans formgivning i en äkta industriell estetik, som härrör från kontinuerlig dialog mellan idé och material.

När Prouvé börjar tänka på möbler, mobilier, tänker han på strukturer, och följaktligen på arkitekturen, och upphäver gränserna mellan mobilier och byggnader, vilket får honom i sin tur att tänka på mobila hus, moduler som kan tas isär, och öppnar på så sätt arkitekturen för ett mobilt arbetssätt.”

– Philippe Jousse

ENGLISH
“Prouvé’s constructions embody an economy of materials and means. His aesthetic is an aesthetic of resistance, sometimes even exaggerated. Thus the lines of force, the tension, and the point of equilibrium tend towards a dynamic aesthetic. This is the opposite of academicism, as is demonstrated by the refusal to accept aestheticism as a factor of beauty. His construction work reflects genuine industrial aesthetic, the result of an ongoing dialectic between the design and the material.

When Prouvé begins to think furniture, he thinks structure and therefore architecture, breaking down the frontier between furniture and building, which inspired him to design portable houses, dismountable modules, marking the start of nomadism in architecture. “

– Philippe Jousse

Studio Kaksikko & Nikari

SUOMI
Wesley Walters ja Salla Luhtasela tutustuivat yliopisto-opintojensa parissa ja ovat työskennelleet yhdessä Helsingissä vuodesta 2016 Kaksikko-nimellä. Walters ja Luhtasela jakavat mielenkiinnon hiljaisiin, elementtimäisiin muotoihin sekä itse tuotantoprosessiin.

TEHDAS-näyttelyssä nähtävä Akademia-tuoli oli Wesleyn maisterintutkinnon päättötyö Aalto-yliopiston muotoilun laitoksella. Tuoli toteutettiin yhteistyössä huonekaluvalmistaja Nikarin kanssa. Sen muotokieli yhdistää suomalaisen huonekalusuunnittelun sekä yhdysvaltalaisen Shakers-liikkeen käsityöperinteen Waltersin kotimaasta. Akademia hyödyntää shakereiden 1800-luvulla suosituksi tekemää pinnatuolityyliä yhdistettynä Nikarin puuliitosten erityisosaamiseen. Lopputulos on huonekalu, joka kumartaa menneeseen ja huokuu samanaikaisesti nykyaikaista muodon herkkyyttä.

Tuolin suunnittelu- ja prototyyppivaiheissa hyödynnettiin sekä manuaalisia että digitaalisia menetelmiä, kuten sorvausta ja CNC-jyrsintää.

"Ensimmäiset prototyypit toteutettiin pääosin käsityönä. Sen jälkeen Wesley valmisti Nikarin pajan puusepän kanssa pienen sarjan käyttäen sekä käsityö- että massatuotantotekniikoita. Ensimmäinen sarja tuolista toteutettiin lopulta Pohjanmaalla edistyneillä valmistusmenetelmillä. Tuolin muotoilu oli valmis, ja se saatiin markkinoille helmikuussa 2019."

SVENSKA
Wesley Walters och Salla Luhtasela möttes under sina universitetsstudier och har arbetat tillsammans i Helsingfors under namnet Kaksikko sedan 2016. De delar ett intresse för diskreta och enkla former och själva produktionsprocessen i sig och arbetar i gränsytan mellan hantverk och design.

Stolen Akademia, som nu ställs ut på FABRIK, formgavs för Wesleys magisterexamen vid högskolan för konst, design och arkitektur på Aalto-universitetet i samarbete med den finländska möbeltillverkaren Nikari. I formgivningen av stolen förenas finländska möbelelement och hantverksarvet från den amerikanska asketiska frikyrkorörelsen Shakers, inom vilken Wesley är född och uppvuxen. I stolen förenas pinnstolen, som populariserades av Shakers på 1800-talet, med Nikaris berömda snickerikunskaper och resultatet är en möbel som tar avstamp i det förgångna allt medan den uttrycker en samtida formkänsla.

Både analoga och digitala metoder användes för designen och framtagandet av prototypen för stolen, som svarvning och CNC-fräsning.

“De första prototyperna tillverkades mestadels hantverksmässigt. Sedan arbetade Wesley tillsammans med en snickare i Nikaris ateljé för att ta fram en liten serie med hantverksmässiga och massproduktionsmetoder. Slutligen tillverkades den första serien med avancerade tillverkningsmetoder av en fabrik i Österbotten. Stolen stod färdig och släpptes ut på marknaden i februari 2019.”

ENGLISH
Wesley Walters and Salla Luhtasela met during their university studies and have been working under the studio name Kaksikko since 2016. They share an interest in quiet, elemental forms and the production process itself. They work in the space between craft and design.

The Akademia Chair exhibited in FACTORY was designed for Wesley’s Master’s thesis at Aalto University of Arts, Design and Architecture in collaboration with Finnish furniture producer Nikari Oy. The design of the chair synthesises elements of Finnish furniture with the Shaker craft tradition from the United States, where Wesley was born and educated. The chair adapts a spindle chair typology popularised by the Shakers in the 19th century to the expertise in wooden joinery that Nikari is renowned for. The result is a piece of furniture that references the past while expressing a contemporary formal sensibility.

Both analogue and digital methods were used in designing and prototyping the Akademia chair, such as woodturning and CNC milling.

“The first few prototypes were made using mostly craft methods. Next, Wesley worked with a carpenter at the Nikari workshop to make a small series using a combination of craft and mass-production methods. Finally, the first series was produced by a factory in Ostrobothnia utilising advanced fabrication methods. The chair design was completed and released to the market in February, 2019.“

Kari Virtanen & Nikari

SUOMI
Kari Virtanen on yksi Suomen merkittävimmistä käsityöläisistä. Virtanen aloitti uransa Alvar Aallon ja Kaj Franckin luottopuuseppänä. Virtanen oli niiden ensimmäisten käsityöläisten joukossa, jotka asettuivat taloudellisesti romahtaneeseen Fiskarsin ruukkiin notkahdusta seuraavien vuosien aikana. Ensimmäisiä uudisasukkaita seurasivat muutkin käsityöläiset, jotka yhdessä varmistivat yhteisön jatkuvuuden ja toivat uutta luovaa elämää Fiskarsiin.

Virtasen Café Skandi -pöytä syntyi alun perin pyöreänä ja neliönmallisena, mutta nyt suunnittelija on kehittänyt klassikosta suorakulmaisen version. Lisäys tuoteperheeseen edellytti uudelleenpohtimista: joitakin liitoskohtia oli mukautettava uuteen muotoon sopiviksi. Kuten ensimmäinenkin malli myös uusi versio valmistettiin suuressa, teollisessa mittakaavassa kadottamatta kuitenkaan sen käsin muotoiltua laatua.

SVENSKA
Kari Virtanen är en av Finlands främsta hantverkare. Virtanen började som möbelsnickare för Alvar Aalto och Kaj Franck. Under åren som följde på nedläggningen av Fiskars bruk var han en av de första hantverkarna som slog sig ner i den ekonomiskt nedgångna staden. Snart följde andra hantverkare efter och säkerställde därmed det lilla samhällets fortbestånd och gav nytt kreativt liv åt Fiskars.

Borden i serien Café Skandi var ursprungligen runda eller fyrkantiga men nu har Kari Virtanen tagit fram en rektangulär version av bordet. Den nya formen krävde en funderare: några av detaljerna i fogarna måste anpassas till den nya formen. I likhet med den första serien måste borden kunna tillverkas i större skala utan att för den skull förlora sin hantverksmässiga kvalitet.

ENGLISH
Kari Virtanen is one of Finland’s most prominent craftsmen. Virtanen started as the cabinet maker for Alvar Aalto and Kaj Franck. In the years that followed the industrial collapse of Fiskars village, he was among the first artisans to settle in the economically depressed town. Taking after the first settlers, other craftsmen followed, ensuring the continuity of the community and bringing new creative life to Fiskars.

Virtanen’s Café Skandi tables were originally created in round and square shapes, but now the designer has developed a rectangular version. The addition took some rethinking: some of the joint details had to be adapted to the new shape. Similarly to the first edition, tables still had to be produced on a larger, industrial scale, without losing their hand-crafted quality.

Karin Widnäs

SUOMI
"Savi on materiaalina sekä kiehtova että inspiroiva. Itselleni tärkeä aloituskohta on arkkitehtuurin ja varta vasten sille suunniteltujen keraamisten elementtien välinen vuoropuhelu. Oikean saven, muodon ja polttotavan valinta luovat harmonisen lopputuloksen."

Karin Widnäs oli yksi ensimmäisistä Fiskarsiin asettuneista taiteilijoista 1990-luvulla, ja yksi ONOMA-osuuskunnan ensijäsenistä. Widnäs on viettänyt suuren osan pitkästä taiteilijan urastaan suunnitellen ja luoden arkkitehtonisia elementtejä keramiikasta. Widnäsin yhdistetty koti ja studio, jonka suunnitteli arkkitehti Tuomo Siitonen, on malliesimerkki hänen tyylistään ja tavastaan hyödyntää elementtejä aina seinäreliefeistä lattialaattoihin ja takkoihin. Widnäs on suunnitellut myös astiastoja ravintoloille. Hänelle myönnettiin Pro Finlandia -ansiomitali vuonna 2017, ja hänen taidettaan on ollut näytteilllä ympäri maailman jo vuosikymmeniä.

Oman taiteellisen työnsä ohella Widnäs on aktiivinen Fiskarsin ruukin kyläyhteisössä. Hän on rakentanut kotinsa ja studionsa viereen uuden keramiikkakeskuksen KWUM – Studio Ceramics Museum and Galleryn, joka aukeaa yleisölle kesällä.

SVENSKA
“Som material är leran både spännande och inspirerande. Dialogen mellan arkitekturen och de keramikelement som specifikt designats för den är för mig en viktig utgångspunkt. Med rätt val av lera, form och bränning skapas ett harmoniskt resultat.

Karin Widnäs är en av de första konstnärerna som slog sig ner i Fiskars på 1990-talet och en av grundarna av andelslaget ONOMA. Under de två senaste decennierna har Karin Widnäs arbetat med formgivning av arkitektoniska keramikelement. Widnäs kombinerade bostad och keramikverkstad, ritad av arkitekten Tuomo Siitonen, är ett förstklassigt exempel på hennes stil och sätt att använda keramikelement, i allt från väggreliefer till golvkakel och eldstäder. I hennes produktion ingår även formgivningen av en servis för anrika restaurang Savoy i Helsingfors. Widnäs tilldelades Pro Finlandia-medaljen 2017 och hennes konst har i flera decennier visats runt om i världen.

Utöver sitt konstnärskap deltar Karin Widnäs aktivt i gemenskapen i Fiskars Village. Bredvid bostaden och ateljén på sin gård har Widnäs byggt KWUM, ett keramikmuseum som beräknas öppna i sommar.

ENGLISH
“As a material, clay is both intriguing and inspiring. For me, an important starting point is a dialogue between architecture and the ceramic elements specifically designed for it. The right selections in clay, shape and firing create a harmonic final result.”

Karin Widnäs was one of the first artists to settle in Fiskars in the 1990s and one of the members to establish the ONOMA Cooperative. Widnäs has spent a significant part of her long artistic career in designing and making architectural elements in ceramics. Widnäs’ combined home and ceramic studio, designed by architect Tuomo Siitonen, is a prime example of her style and way of using elements from wall reliefs to floor tiles and fireplaces. Designing tableware for restaurants is also part of her production. Widnäs was awarded the Pro Finlandia medal in 2017 and her artworks have been exhibited all over the world for decades.

In addition to her artistic work, Widnäs is an active member of the community of Fiskars Village. Next to her home and studio, Widnäs has built the KWUM – Studio Ceramics Museum and Gallery, which will open its doors this summer.

Konstantin Grcic & Magis

SUOMI
Chair_ONE -tuoli on rakenteeltaan kuin jalkapallo: se koostuu useasta litteästä tasosta, jotka on yhdistetty toisiinsa kulmittain, mikä luo tuolille kolmiulotteisen muodon. Radikaaleimmassa versiossa tuolin jalka on betoninen. Saksalainen muotoilija Konstantin Grcic sai mahdollisuuden työskennellä alumiinivalumestari Eugenio Perazzan kanssa. Perazza on Magis-yrityksensä kanssa tullut tunnetuksi yhtenä tämän päivän innovatiivisimmista muotoilun uudistajista. Suunnittelija ja brändi työskentelevät tiiviissä yhteistyössä eri valmistajien kanssa Italian koillisosassa. Magis-projekteissa haetaan aina uusia ja epätavallisia tekniikoita ja materiaaleja. Projektit ovat usein luonteeltaan haastavia – mikä taas sopii täydellisesti Grcicin tapaan.

SVENSKA
Chair_ONE är uppbyggd precis som en fotboll, ett antal släta plan hopfogade i vinkel skapar en tredimensionell form. I sin mest radikala utformning säljs den här ikoniska stolen med en betongfot. Tyske designern Konstantin Grcic fick chansen att jobba med aluminiumgjutning hos Eugenio Perazza, som med sitt företag Magis, blivit känd som en av nutidens mest innovativa formgivare. Crcic och Magis jobbar nära tillsammans med olika tillverkare i nordöstra Italien. Man är alltid på utkik efter nya och ovanliga metoder och material, så ett nytt projekt hos Magis kan vara lite av en utmaning, något som faller en formgivare som Grcic fullständigt i smaken.

ENGLISH
Chair_ONE is constructed just like a football: a number of flat planes assembled at angles create a three-dimensional shape. In its most radical form, this design icon comes with a concrete foot. German designer Konstantin Grcic was given the chance to work with aluminium casting by Eugenio Perazza – who, along with his company Magis, has become known as one of today’s most innovative design editors. The designer and brand work in close contact with various producers in the north-eastern region of Italy. Always on the look-out for new and unusual techniques or materials, a new Magis project can be somewhat challenging – something that fits the taste of a designer like Grcic perfectly.

KORVAA

Nina Pulkkis, Géza Szilvay, Merja Penttilä, Manuel Arias Barrantes, Saku Sysiö, Thomas Tallqvist & Aivan / Parad Media

SUOMI
Korvaa on monialainen tiede-, muotoilu- ja dokumenttihanke. Sen tavoitteena on lisätä tietoisuutta mikrobien, niin kutsuttujen elävien tehtaiden, käytön mahdollisuuksistakestävän kehityksen mukaisissa tuotantoprosesseissa. Mikrobien tuottamilla kemikaaleilla voisi korvata fossiilisiin raaka-aineisiin perustuviateollisia prosesseja. Biotekniikan edistyminen on mahdollistanut mikro-organismien muuntelun siten, että ne tuottavat polttoaineita, biomuoveja ja muita biopolymeereja,elintarvikeproteiinia, lääkkeitä jatekstiilien ja nahan raaka-aineita.

Korvaa-kuulokeprojekti tutkii useita erilaisia mikrobiprosesseja pehmeiden, kovien, vaahtomaisten ja nahanomaisten materiaalien luomiseksi. Suunnittelijat soveltavat näitä materiaaleja kuulokkeiden eri osiin. Osaa materiaaleista ei ole koskaan aikaisemmin käytetty teollisen muotoilun parissa. Kaikki työn vaiheet, sekä epäonnistuneet että onnistuneet kokeilut, dokumentoidaan ja kootaan näyttelyyn, jossa esitellään/valotetaan millaisia tulevaisuuden tehtaat saattavat olla.

SVENSKA
Korvaa är ett tvärvetenskapligt design- och dokumentärprojekt. Syftet är att öka medvetenheten om potentiella mikrobiellt odlade material och så kallade levande fabriker, där mikrober tillverkar särskilda kemikalier som kan ersätta industriprocesser baserade på fossilt råmaterial. Framstegen inom biotekniken har gjort det möjligt att få mikroorganismer att producera energi, råmaterial för bioplaster och andra biopolymerer, textilier, läder, matproteiner, mediciner och kemikalier.

I projektet med mikrobiellt odlade hörlurar undersöker man flera olika hållbara mikrobiella processer för att ta fram mjuka och hårda, skum- och lädermaterial. Formgivarna använder sedan dessa material i olika delar av hörlurarna. Några av materialen i Korvaa har aldrig tidigare använts i industriellt tillverkade designföremål. Alla faser i arbetet, de misslyckade såväl som de framgångsrika experimenten, dokumenteras och visas på utställningen för att belysa hur våra framtida fabriker kan komma att fungera.

ENGLISH
Korvaa is a multidisciplinary science, design and documentary project. Its goal is to raise awareness of the potential of microbial materials and so-called living factories, where microbes produce particular chemicals, which are then able to replace industrial processes based on fossil raw materials. Advances in biotechnology have enabled the engineering of microorganisms to produce energy, raw material for bioplastics and other biopolymers, textiles, leather, food proteins, medicines and chemicals.

The Korvaa headphone project explores several different sustainable microbial processes to create soft, hard, foamy and leathery materials. The Korvaa designers then apply these materials to various parts of the object. Some of the materials produced and applied in Korvaa have never before been used in industrial design objects. All phases of the work, including both failed and successful experiments, are documented and compiled in the exhibition in order to shed light on how our future factories might work.

Kwangho Lee & Tajimi Custom Tiles

SUOMI
Korealaista muotoilijaa ja taiteilijaa Kwangho Leetä pyydettiin toteuttamaan kokeellinen installaatio Milanon muotoiluviikolla 2020 Tajimi Custom Tilesin lanseerauksen yhteydessä. Uusi tuotemerkki valmistaa mittatilaustyönä keramiikka- ja savilaattoja arkkitehdeille ja sistustussuunnittelijoille. Yritys on inspiroitunut Tajimin kaupungin savityöperinteestä ja kehitti suulakepuristetun, silmukanmuotoisen moduulin. Tällöin erikokoisia laattoja voidaan valmistaa samalla muotilla. Moduulit voidaan pinota vaakasuoraan tai pystysuoraan erilaisten perusesineiden, kuten seinien tai penkkien, muodostamiseksi.

Tajimi on japanilaisten laattojen mekka, jossa valmistetaan 90 % maan laatoista. Vaikka useimmat Tajimin tehtaat valmistavat nykyisin laattoja massatuotantona kuivapuristusteknologiaa hyödyntäen, on kaupungissa vielä muutamia verstaita, joissa käytetään perinteisempiä tai vaihtoehtoisia tuotantomenetelmiä, joiden avulla voidaan myös valmistaa pienempiä eriä sekä uniikkeja malleja ja värisävyjä. TEHDAS-näyttelyssä esitellyt Loop-moduulit on valmistettu tajimilaisissa verstaissa, jotka ovat erikoistuneet jäljentämään historiallisia laattamalleja kulttuuriperimältään merkittäviin rakennuksiin.

SVENSKA
Den koreanske keramikern och konstnären Kwangho Lee har fått uppdraget att skapa en experimentell installation som ska visas på designveckan i Milano 2020, för lanseringen av den nya varumärket “Tajimi Custom Tiles”, som erbjuder arkitekter och inredningsarkitekter skräddarsydda objekt i keramik och lergods. Inspirerad av det för Tajimi typiska tillverkningssättet sprängsprutning har han tagit fram en strängsprutad modul, som med samma gjutform kan tillverkas i olika längder för att passa olika funktioner. Modulerna kan staplas horisontellt eller vertikalt för att bilda olika grundläggande föremål som väggar eller bänkar.

Tajimi är ett japanskt mecka för keramik, där 90 % av allt inhemskt kakel produceras. Idag ägnar sig de flesta av fabrikerna i Tajimi åt produktion i stor skala med hjälp av torrpressteknik, men det finns fortfarande ett fåtal ateljéer som använder mer traditionella eller alternativa metoder, som gör att de kan ta fram mindre serier, unika designer och olika färgnyanser. Loop-modulerna som visas på FABRIK har tillverkats i en mycket speciell ateljé i Tajimi, där man ofta för hand återskapar keramikföremål för viktiga kulturhistoriska byggnader.

ENGLISH
As part of the launch of the new brand Tajimi Custom Tiles, which offers bespoke ceramic and earthenware tiles to architects and interior designers, Korean designer and artist Kwangho Lee was tasked with the creation of an experimental installation scheduled to be presented at the Milan Design Week 2020. Lee has drawn inspiration from Tajimi’s typical production method of clay extrusion.She has created the tiles using an extruded module with a section in the form of a looped line, which means that tiles in different length can be realised with the same mould and can therefore fulfill different functions. The modules can be stacked up horizontally or vertically to form different basic objects like walls or benches.

Tajimi is a Mecca of tiles in Japan, where 90% of domestic tiles are produced. While most of Tajimi’s factories today produce tiles on a large scale, using dry-press technology, there are a few workshops that are using more traditional or alternative production methods that allow the production of tiles also in smaller numbers and the realisation of unique designs and shades of colours. The Loop modules exhibited in FACTORY were realised in a very special workshops in Tajimi, which often make reproductions of historic tiles by hand for culturally important buildings.

Laura Mattila & Mikko Merz

SUOMI
Mattila & Merz on vuonna 2012 perustettu Helsingissä ja Fiskarsissa toimiva puuhun erikoistunut arkkitehti- ja suunnittelutoimisto, joka toteuttaa projekteja esinemuotoilusta rakennussuunnitteluun. Suomalaisen rakennusperinteen yksinkertainen tarkoituksenmukaisuus inspiroi Laura Mattilaa ja Mikko Merzia niin suunnittelijoina kuin tekijöinäkin. He ammentavat tästä perinteestä ja näkevät oman työnsä sen jatkumona.

Laura Mattila on arkkitehti, joka ennen oman toimiston perustamista työskenteli perinnerakentamiseen erikoistuneessa Arkkitehtitoimisto Livadyssä, missä karttuneella kokemuksella on ollut tärkeä rooli oman paikan löytymisessä arkkitehtuurin kentällä puun ja rakennusperinteen parissa. Mikko Merz on niin ikään arkkitehti sekä puuseppä, jonka ammattitaidolle on peruja jo lapsuudenkodin puuseppäisä Rudi Merzin verstaalta.

Mattila & Merzin koottavan sängyn suunnittelussa lähtökohtina ovat olleet valmistuksen, kuljetuksen ja käytön yksinkertaisuus ja tarkoituksenmukaisuus. Valmistus on käsityövaltaista, mutta kuitenkin mielekkäintä useamman kappaleen piensarjoissa. Sänkyä voidaan valmistaa eri leveyksissä samaa periaatetta käyttäen. Tarpeen mukaan koottavan ja purettavan sängyn runko tehdään koivusta, joka on perinteinen suomalainen huonekalupuu. Avattava rakenne perustuu puukierteisiin ja patjana on Suomessa valmistettu puuvillafuton.

SVENSKA
Mattila & Merz är en på trä specialiserad arkitekt- och designbyrå, som grundades 2012 i Helsingfors och som verkar i Fiskars. Byrån arbetar med allt från produktdesign till byggnadsprojekt. I sitt arbete inspireras Laura Mattila och Mikko Merz av enkelheten och ändamålsenligheten hos den finländska byggnadstraditionen. De öser ur denna tradition och ser sitt eget arbete som en obruten fortsättning på den.

Laura Mattila är utbildad arkitekt, och före den egna byrån arbetade hon på arkitektbyrån Livady, som specialist på traditionellt byggande. Hennes samlade erfarenheter därifrån spelade en viktig roll för att hon skulle hitta en egen nisch inom arkitekturen, med trä och traditionellt byggande. Mikko Merz är även han arkitekt, men även snickare. Grunden till hans yrkesskicklighet lades redan i barndomshemmet i pappa Rudi Merz’ snickarverkstad.

En förutsättning för Mattila & Merz’ ihopplockbara säng var att den skulle vara enkel och ändamålsenlig att tillverka transportera och använda. Tillverkningen är hantverksmässig men trots det vettigast i små serier om flera exemplar. Sängen kan tillverkas i flera bredder enligt samma princip. Stommen på sängen, som kan plockas ihop och isär efter behov, tillverkas i björk som är ett traditionellt finländskt möbelträslag. Konstruktionen baseras på gängade trädelar och madrassen är en futon i bomull tillverkad i Finland.

ENGLISH
Mattila & Merz is a Fiskars-based architectural and design office that was originally founded in 2012 in Helsinki. The office specialises in wood, with projects ranging from product design to buildings. The simple drive for purpose of the Finnish construction tradition inspires Laura Mattila and Mikko Merz both as designers and makers. They gladly draw from this tradition and see their own work as a continuation of it.

Before setting up her own practice, architect Laura Mattila was employed by the architectural office Livady, an expert in restoration and historic architectural practices. This experience played an important role for Mattila in finding her own place in the field of architecture amid her work in woodwork and heritage. Mikko Merz is both an architect and a carpenter. His expertise stems already from his childhood home where his father Rudi Merz had his own wood workshop.

In terms of design, the starting point for Mattila & Merz's dismountable bed was in the simplicity and functionality of manufacturing, transportation and use. The manufacturing process is based on handcraft but allows a small series of several pieces to be made at in one go. The bed can be crafted in different widths using the same principle. The bed can be dismounted and put together as needed, and its frame is made of birch, the traditional choice of wood for furniture in Finland. The form of the openable bed is based on wooden threads and the mattress is a Finnish-made cotton futon.

Maarten van Severen / Wästberg

SUOMI
Belgialainen Maarten van Severen (1956–2005) aloitti uransa arkkitehtina ja siirtyi muotoilun pariin perustamalla huonekalu- ja sisustussuunnittelupajan. Van Severen oli perfektionisti kaikessa, mikä liittyi muotoihin ja yksityiskohtiin. Hän valmisti käsityönä olennaiseen keskittyviä muotoilutuotteita. Kun yksi tuote myytiin, hän siirtyi kehittämään seuraavaa huonekalua hieman parannetulla muotokielellä tai hieman uudella otteella. Näistä ainutlaatuisista huonekaluista tuli myöhemmin teollisen muotoilun klassikkoja, kuten tunnettu 03.-tuoli (1998) tai nyt näytteillä olevat lattia- ja pöytävalaisimet ST11A ja BA11A. Van Severenillä oli lisäksi pitkäaikainen yhteistyösuhde arkkitehti Rem Koolhaasin kanssa. Suunnittelijat loivat yhdessä sisätiloja arkkitehtuurin mestariteoksiin, kuten Pariisin Villa Dall'Avaan tai Bordeaux'n Lemoine-taloon.

SVENSKA
Den arkitektutbildade belgiern Maarten van Severen (1956-2005) inledde sin karriär som designer genom att starta en verkstad för möbler och inredningar. Som den perfektionist han är när det gäller form och detaljer tillverkade han viktiga designföremål helt för hand. När han sålt ett av dem tog han fram nästa möbel, i en något förbättrad eller lite annorlunda version. Utifrån dessa unika föremål i en serie kom olika klassiker inom industridesign som den allbekanta stol 03. chair (1998) eller de utställda golv- och bordslamporna ST11A och BA11A. Vidare samarbetade van Severen under ett långt partnerskap med arkitekten Rem Koolhaas. Tillsammans skapade de inredningarna till arkitektoniska mästerverk som Villa Dall’Ava i Paris och Maison à Bordeaux i staden med samma namn.

ENGLISH
Originally an architect, Belgian Maarten van Severen (1956-2005) started his career in design by setting up a workshop for furniture and interiors. A perfectionist in all things related to form and detail, he hand-produced essential design pieces. Once one sold, he developed the next furniture piece, slightly improved, or slightly different. From these unique pieces in a series later came classics of industrial design, such as the well-known 03. chair (1998) or the exhibited floor and table lights ST11A and BA11A. In addition, van Severen took part in a long collaborative partnership with architect Rem Koolhaas. Together, they created the interiors of architectural masterpieces such as the Villa Dall’Ava in Paris or the Lemoine House in Bordeaux.

Marko Escartin / Studio Oksa

SUOMI
Teollinen muotoilija Antti Nurmesniemi suunnitteli vuonna 1987 joukon kävelykeppejä, jotka hän esitteli New Design for Old -näyttelyssä Lontoon Victoria & Albert -museossa. Puuseppä Kari Virtanen valmisti tuolloisten keppien malliversiot koivusta. Vuonna 2018 Virtanen, Antti Nurmesniemen leski Vuokko Eskolin-Nurmesniemi ja Fiskarsissa työskentelevän puuseppä Marko Escartin päättivät luoda myytäväksi pienen sarjan kävelykeppejä. Escartin tutki alkuperäisiä luonnoksia ja loi niiden perusteella mallikappaleita. Kokeilujen kautta syntyi lopulta Joutsen-keppi, jossa hyödynnettiin sekä perinteisiä että nykyaikaisia puutyötekniikoita.

SVENSKA
1987 formgav industridesignern Antti Nurmesniemi en uppsättning promenadkäppar som han visade på utställningen New Design for Old på Victoria & Albert Museum i London. Den ursprungliga unika kollektionen av käppar tillverkades i björk av snickaren Kari Virtanen. 2018 beslutade Kari Virtanen, Antti Nurmesniemis änka Vuokko Eskolin Nurmesniemi och möbelsnickaren Marko Escartin från Fiskars att tillverka och sälja en liten serie av käpparna. Utifrån de ursprungliga ritningarna arbetade Escartin med traditionella och nutida metoder genom trial-and-error tills han tagit fram en ny käppdesign som gavs namnet Joutsen (Svanen).

ENGLISH
In 1987, industrial designer Antti Nurmesniemi designed a set of walking canes, which he presented at the New Design for Old exhibition at the Victoria & Albert Museum in London. The canes’ original one-off samples were produced in birch by carpenter Kari Virtanen. In 2018, Virtanen, Antti Nurmesniemi’s widow Vuokko Eskolin-Nurmesniemi and Fiskars-based cabinet maker Marko Escartin decided to create and sell a small series of these canes. Escartin made prototypes based on the original drawings, until arriving at a new design for a cane called Joutsen (Swan), using traditional and contemporary wood-working techniques.

Max Lamb

SUOMI
Brittiläinen muotoilija ja amatöörikäsityöläinen Max Lamb uudistaa työssään tuotantotekniikoita. Hän yhdistää perinteisiä – tai jopa esihistoriallisia – tuotantomenetelmiä digitaaliseen suunnitteluun. Hänen työskentelylleen ominaista ovat epätavalliset tavat käyttää luonnonmateriaaleja. Esimerkiksi Pewter-jakkara (Tinajakkara) luotiin kaatamalla tinaa hiekkamuottiin. Muottia ei valmistettu perinteisessä työpajassa; brittiläinen suunnittelija matkusti sen sijaan lapsuutensa rantamaisemiin Cornwallissa ja perusti rannalle tilapäisen työskentelytilan.

SVENSKA
Den brittiska designern och amatörhantverkaren Max Lamb återuppfinner produktionsmetoder. Han kombinerar traditionella - kanske förhistoriska - produktionsmetoder med digital design. Hans arbete karakteriseras av hans mycket ovanliga sätt att använda naturmaterial på. Pewter stool (Tennpallen), till exempel, görs genom att hälla tenn i en sandform. Den här formen är inte gjord i någon traditionell verkstad. Utan Lamb åkte till sin barndoms strand i Cornwall och förvandlade den till sin tillfälliga arbetsplats.

ENGLISH
British designer and amateur craftsman Max Lamb reinvents production techniques. He combines traditional – if not prehistoric – production methods with digital design. His work is characterised by his highly unusual approaches to natural materials. The Pewter stool, for example, was created by pouring pewter into a sand mould. The mould was not created in a traditional workshop – rather, the British designer went to his childhood beach in Cornwall, turning it into his temporary workplace.

Minja Kolehmainen

SUOMI
Minja Kolehmaisen luova rooli risteilee muotoilijan, puusepän ja taiteilijan työn välillä. Kolehmaiselle on olennaista korkea laatu, käsityökulttuurin ylläpitäminen sekä syvempi merkitys työn taustalla. Usein Kolehmaisen työt ovat syntyneet voimakkaasta henkilökohtaisesta tunteesta, joka on purettava ja tuotava julki. TEHDAS-näyttelyyn Kolehmainen tuo teoskokonaisuuden, joka tarkastelee käsityöllä valmistetun tuotteen hinnan koostumista ja esittää sen visuaalisesti. Taiteilija kuvaa ja kertoo julkisesti teoksen kaikki työvaiheet, kustannukset sekä minuutit, joita teoksen tuottamiseen kuluu.

”Kertakäyttökulttuuri ja tavaroiden henkinen arvottomuus pilaa ihmisten mielen ja todellisuuden. Tuntuu siltä, että todella moni ei osaa arvostaa laatua ja hitaasti tuotettua. Miksi meidän pitäisi saada kaikki heti ja niin paljon? Tarkkaan harkiten, säästäen ja laatuun satsaten arvostaisimme enemmän sitä, mitä ostamme. Näin loisimme maailmasta edes hieman paremman paikan elää, myös jälkipolville.”

SVENSKA
Minja Kolehmainens kreativa verksamhet kretsar omkring hennes roll som designer, snickare och konstnär. Väsentligt för Kolehmainen är att hålla hög kvalitet, värna om hantverkskulturen och att verket ska ha en djupare mening. Ofta uppstår Kolehmainens verk ur en stark personlig känsla, som hon är tvungen att tränga in i och föra fram i ljuset. På FABRIK visar Kolehmainen en verkshelhet, som undersöker priset på hantverksmässigt framställda produkter och presenterar detta visuellt. Konstnären beskriver och redovisar öppet verkets alla arbetsmoment, kostnader och hur många minuter det tar att producera arbetet.

“Slit-och-släng-kulturen och tingens brist på immateriellt värde förpestar människors sinne och verklighet. Det känns verkligen som om många inte har förmågan att värdesätta kvalitet och det långsamt tillkomna. Varför måste vi få allt genast och så mycket? Om vi funderade noggrant, vore sparsamma och satsade på kvalitet skulle vi uppskatta mer det vi köper. Då skulle vi göra världen till en lite bättre plats att leva på, även för kommande generationer.”

ENGLISH
Minja Kolehmainen’s creative role shifts between designer, carpenter and artist. Kolehmainen places great emphasis on high quality, the fostering of craft culture and a deeper significance behind a work. Kolehmainen’s works often arise from a strong personal feeling that needs to be interrogated and made public. Kolehmainen brings to FACTORY an ensemble of works that examines the prices of individual elements of a handmade product and portrays them visually. The artist documents and publicly breaks down all the steps, costs and minutes required in making an object.

“Throw-away culture and the spiritual worthlessness of objects ruins both the mind and reality. It feels like a whole lot of people are not able to appreciate quality or something that is produced slowly. Why do we need to get everything right away, and in such large amounts? By carefully considering, saving and investing in quality we would appreciate much more what we buy. In this way, we could make the world into a better place to live, even a little bit, also for the generations to come.”

@minjakolehmainen

Pierre Charpin & Hermès

SUOMI
Pierre Charpin on ranskalainen suunnittelija ja kuvataiteilija. Hän on keskittynyt 1990-luvun alusta lähtien tuote- ja huonekalumuotoiluun. Charpin on ollut osallisena tutkimushankkeissa muun muassa CIRVAn (1998/2001) ja CRAFTin (2003/2005) kanssa. Hän on toteuttanut suunnittelutyön yhteistyöhankkeita tunnettujen kansainvälisten yritysten kuten Alessin, CeramichePiemmen, Design Gallery Milanon, Hayn, Japan Creativen, Ligne Roset’n, Manufacture Nationale de Sèvresin, Post Designin, Taiyou&co:n sekä Veninin kanssa. Charpinin töitä löytyy lukuisten kulttuurilaitosten ja museoiden kokoelmista, kuten Fonds National d’Art Contemporain, Pompidou-keskus ja Musée des Arts Décoratifs. Muotoilijan työnsä ohella Charpin opetti muotoilua École supérieure d’Art et de Design de Reimsissä vuosina 1998–2008 ja École Cantonale d'Art de Lausannessa (ECAL) vuosina 2006–2015.

Pierre Charpinin Hermès'lle luoma Hémisphère on esimerkki yhteistyöstä, jossa ylellinen muotibrändi kohtaa perinteisen käsityön. TEHDAS-näyttelyssä esitellyt rasiat ja tarjottimet ovat hienostunutta lakkatyötä. Kappaleet on valmistettu käsin ajatonta työskentelytapaa noudattaen. Jokainen pinta on päällystetty usealla kerroksella lakkaa, jolloin esineet ovat täysin tiiviitä.

SVENSKA
Pierre Charpin är en fransk formgivare och bildkonstnär. Sedan början av 1990-talet har han ägnat sig åt design av föremål och möbler. Pierre Charpin bedriver forskning - som projekten på CIRVA (1998/2001) eller CRAFT (2003/2005) - och samarbetar om produktdesign med internationellt kända företag som Alessi, CeramichePiemme, Design Gallery Milano, Hay, Japan Creative, Ligne Roset, Manufacture Nationale de Sèvres, Post Design, Taiyou&co och Venini. Charpin finns representerad på ett flertal kulturinstitutioner och museer, som Fonds National d’Art Contemporain, Centre Pompidou och Musée des Arts Décoratifs. Parallellt med sitt arbete som designer undervisade Charpin på École supérieure d’Art et de Design i Reims från 1998 till 2008 och École Cantonale d’Art de Lausanne (ECAL) i Schweiz från 2006 till 2015.

Hémisphère av Pierre Charpin för Hermès är ett exempel på ett samarbete där ett lyxigt modemärke möter traditionellt hantverk. Askarna och brickorna som ställs ut på Fabrik är gjorda i utsökt lackarbete. Delarna tillverkas för hand i en tidskrävande process där flera lager lack appliceras på ytan för att göra dem helt inneslutna.

ENGLISH
Pierre Charpin is a French designer and visual artist. Since the beginning of the 1990’s, he has been focusing on objects and furniture. Pierre Charpin runs research projects — such as those with CIRVA (1998/2001) or CRAFT (2003/2005) — as well as production design collaboration projects with internationally known companies such as Alessi, CeramichePiemme, Design Gallery Milano, Hay, Japan Creative, Ligne Roset, the Manufacture Nationale de Sèvres, Post Design, Taiyou&co, and Venini. The work of Charpin is part of numerous cultural institutions and museums, such as the Fonds National d’Art Contemporain, the Centre Pompidou and the Musée des Arts Décoratifs. In parallel to his work as a designer, Charpin taught design at the École supérieure d’Art et de Design de Reims from 1998 to 2008 and at the École Cantonale d’Art de Lausanne (ECAL-Switzerland) from 2006 to 2015.

Hémisphère by Pierre Charpin for Hermès is an example of a collaboration, where luxury brand from the fashion industry meets with traditional crafts. The set of boxes and trays exhibited in FACTORY is made from delicate lacquerware. The pieces are produced by hand in a timeless process that lays several coats of lacquer on each surface to make them completely sealed.

Piitu Nykopp

SUOMI
”Teosteni valmistusprosessi on moniosainen, hidas ja pitkäjännitteisyyttä vaativa, mutta siksi myös jännittävä ja lukemattomia mahdollisuuksia antava. Nukke on minulle kuvataiteilijana yksi vahvimmista ja monipuolisimmista ilmaisukanavistani. Teoksiini on kerrostunut vuosisatojen nukkehistoriaa kietoutuneena aikaan ja omiin kokemuksiini.

Valmistamieni yksittäisten teosten lisäksi työni kertovat myös kuinka sarjavalmistus voi olla osa taidetta ja tuottaa ainutlaatuisia, pieteetillä valmistettuja teoksia. Käyttämissäni materiaaleissa ja tekniikoissa huomioin ekologisuuden ja toteutus on tarina siitä, kuinka tuotanto voi olla efektiivistä ilman tehoajattelua.”

Fiskarsissa asuva ja työskentelevä Piitu Nykopp on monipuolinen kuvataitelija. TEHDAS-näyttelyssä Nykopp avaa useita aloja yhdistelevän työskentelynsä kokonaisprosessia ja nukketeosten syntyä. Saksalainen Sigrid on valmistanut Nykoppin nukeista numeroidut vinyylinukkesarjat ja taiteilijan nukeista valmistetaan myös kipsimuotteja lisenssillä.

SVENSKA
“Tillverkningsprocessen för mina verk sker i många olika delar, den kräver långsamhet och långsiktighet, men därför är den också spännande och erbjuder otaliga möjligheter. Dockan är för mig som bildkonstnär en av mina starkaste och mångsidigaste uttryckskanaler. Mina verk bygger på hundratals år av dockhistoria sammanslingrad med tiden och mina egna erfarenheter.

Utöver de enskilda verk som jag skapar berättar mitt arbete även om hur serietillverkningen kan vara en del av konsten och erbjuda unika verk, pietetsfullt framtagna. I de material och tekniker jag använder tar jag hänsyn till ekologin och framställningssättet vittnar om att produktionen kan vara effektiv utan effektivitetstänkande.

På FABRIK låser Piitu Nykopp, som bor och verkar i Fiskars, upp ett flertal områden genom att förena skapandet av dockorna med arbetets helhetsprocess. Tyska Sigrid Bock har tillverkat en numrerad serie i vinyl av Nykopps dockor och det görs också gipskopior av verken på licens.

ENGLISH
“The manufacturing process for my works is composed of many parts, it is slow and requires perseverance. These qualities also make the process exciting and something that opens up countless opportunities. As a visual artist, the doll is one of my strongest and most diverse channels of self-expression. My works are layered with centuries of doll history, intertwined with time and my own experiences.

In addition to individual works, my practice also informs how serial manufacture can be part of an artistic process and produce unique works made with profound reverence for the craft. I consider the ecological aspects of the materials and techniques I use. The realisation is a story of how production can be impactful without a mindset of efficiency.”

Piitu Nykopp lives and works in Fiskars. At FACTORY, she will shed light on her multidisciplinary working process and how her dolls are born. The German doll maker Sigikid has produced a numbered series of vinyl dolls from Nykopp's designs. Her creations are also made into plaster moulds under a licence.

POIAT & Raision Puusepät

SUOMI
POIAT on Timo Mikkosen ja Antti Rouhunkosken perustama muotoilustudio. Poiat on tunnettu niin eleganteista sisustuksista kuin omaleimaisista huonekaluistaan, joiden muotoilu on saanut tunnusta kansainvälisesti. Muotoilijakaksikon suunnittelema Lavitta -mallisto palkittiin Suomessa Aller Median järjestämässä Muoto2015 -gaalassa vuoden parhaaksi kalustesarjaksi.

TEHDAS-näyttelyyn Poiat tuovat Accordian -tuolin, joka on UPM-Kymmenen ja Raision puuseppien kanssa tehty yhteistyöprojekti. Tavoitteena projektissa on ollut tutkia ja hyödyntää UPM-Kymmenen grada-materiaalia huonekalukomponenttien valmistamisessa uudella kiinnostavalla tavalla. Tuotekehitysprosessi on toteutettu syksyn 2018 ja kevään 2019 aikana tiiviissä yhteistyössä puuseppä- ja muotoilijaopiskelija Aleksandr Pukin sekä muiden yhteistyökumppaiden kanssa. Accordia -yhteistyössä mukana ovet olleet Mikko Tilli/UPM-Kymmene, Jarmo Yrjölä/Raision Puusepät ja puuseppä-muotoilija Aleksandr Pukki.

Accordia -tuolin ideana on ollut tutkia grada-vanerin käyttöä tuolin selkänojaa sen rakenteellisena sekä esteettisenä aiheena. Suunnitteluprosessin keskeisimpänä tavoitteena oli saada aikaan haitarimuotoon puristetusta selkänojasta sekä kaunis että kestävä. Useiden kokeilujen jälkeen tuloksena syntyi kevytrakenteinen, kokopuinen moderni puutuoli. Accordia -tuolissa yhdistyvät uuden materiaalin ja teknologian tuomat mahdollisuudet, oivaltava materiaalin käyttö sekä hienostunut lopputulos.

SVENSKA
POIAT är en designstudio grundad av Timo Mikkonen och Antti Rouhunkoski. Poiat är kända för såväl sina eleganta inredningar som sina unika möbler, vars formgivning fått internationellt erkännande. På FABRIK visar Poiat stolen Accordia som är ett samarbetsprojekt med UPM-Kymmene och Raision Puusepät. Syftet med projektet har varit att studera och utnyttja UPM-Kymmenes träpanel Grada på ett nytt och intressant sätt vid tillverkningen av möbelkomponenter. Produktutvecklingssamarbetet pågick under hösten 2018 och våren 2019. De som har arbetat med Accordia är Mikko Tilli, UPM-Kymmene, Jarmo Yrjölä, Raision Puusepät och snickaren och designern Aleksandr Pukki.

Den bärande idén bakom Accordia var att undersöka hur träpanelen Grada skulle kunna fungera strukturellt såväl som estetiskt i stolens ryggstöd. Det främsta syftet med designprocessen var att ryggstödet som pressades i dragspelsform skulle vara såväl vackert som hållbart. Efter ett flertal försök lyckades man ta fram en lätt och modern stol helt i trä. Accordia förenar möjligheterna hos ett nytt material och ny teknik med påhittig användning av materialet i en raffinerad produkt.

ENGLISH
Poiat is the design studio founded by Timo Mikkonen and Antti Rouhunkoski. Poiat is known for its elegant interiors as well as its unique furniture, which has received international acclaim. At the FACTORY exhibition, Poiat will present their Accordia chair, a collaboration with the forest industry company UPM-Kymmene and the woodwork studio Raision Puusepät. The aim of the project was to research and utilise UPM-Kymmene’s new Grada material in the manufacturing of furniture elements in a novel, interesting way. The product design process took place in autumn 2018 and spring 2019 together with the collaborators. The Accordia team included Mikko Tilli / UPM-Kymmene, Jarmo Yrjölä / Raision Puusepät and carpenter-designer Aleksandr Pukki.

The idea of the Accordia chair was to research the use of Grada plywood in the backrest of the chair as both an aesthetic and a structural element. A central aim of the design process was to obtain a beautiful and durable form for the accordion-shaped backrest using pressed plywood. Several trials finally led to a light-structured, fully wooden modern chair. The Accordia chair combines the possibilities of a new material and technologies with an insightful use of material and a refined end result.

Richard Sapper & Alessi

SUOMI
Richard Sapper aloitti muotoilijan uransa Daimler Benzin suunnitteluosastolla Stuttgartissa. Hän muutti sen jälkeen Milanoon työskentelemään arkkitehti Gio Pontin alaisuudessa, minkä jälkeen hän siirtyi La Rinascente -luksustavaratalon designtiimiin. Sapper työskenteli 1960–70-luvuilla useiden teollisuusyritysten kuten Brionvegan, Fiatin ja Pirellin kanssa. Hän toimi myös IBM:n ja Lenovon teollisen muotoilun johtavana konsulttina. Sapper menehtyi 31. joulukuuta 2015.

Richard Sapperin päämielenkiinto muotoilun alalla liittyi teknisesti haastavaan ongelmanratkaisuun. Hän kehitti ja suunnitteli laajan portfolion tuotteita aina veneistä autoihin, tietokoneisiin, elektroniikkaan, huonekaluihin ja keittiövälineisiin. Alessin kanssa toteutetun vedenkeittimen lähtökohtana oli Sapperin inhoama ääni: keittimen ujellus veden kiehuessa. Sapper halusin korvata tämän melodisella äänellä. Matalampi ääni vaatii yleensä enemmän tilaa, ja tämä ei keittimen kohdalla ole mahdollista. Pitkän tutkimustyön jälkeen Sapper löysi Baijerista valmistajan, joka tekee matalasointisia, kapeita sävelpillejä. Sama valmistaja toimittaa yhä tänään Alessin keittimen pillit.

SVENSKA
Richard Sapper inledde sin karriär på designavdelningen hos Daimler Benz i Stuttgart. Därefter tog han sig till Milano där han först arbetade för arkitekten Gio Ponti och sedan på designavdelning på varuhuset La Rinascente. Efter att ha jobbat för industriföretag som Brionvega, FIAT och Pirelli på sextio- och sjuttiotalen, blev han förste designkonsult för IBM och senare för Lenovo. Richard Sapper gick ur tiden 31 december 2015.

I designarbetet fokuserade Richard Sapper huvudsakligen på att lösa tekniskt komplicerade problem. Han har utvecklat och formgett en rad vitt skilda produkter, allt från fartyg och bilar över datorer och elektronik till möbler och köksapparater. Utgångspunkten för samarbetet med Alessi om en vattenkokare var att han avskydde det höga ljudet i gängse visselpipor och ville ersätta det med ett lägre. Ett lägre ljud kräver i allmänhet mer utrymme och det har man inte i en vattenkokare. Efter en tids efterforskning fann han en fabrik i Bayern som gjorde pipor med lågt ljud och låg volym och som än idag tillverkar visselpiporna till hans vattenkokare.

ENGLISH
Richard Sapper began his design career in the styling department of Daimler Benz in Stuttgart, before transferring to Milan, where he worked first for the architect Gio Ponti, and then in the design division of La Rinascente. After working for industrial companies such as Brionvega, FIAT and Pirelli in the 1960s and 70s, Sapper acted as chief industrial design consultant for IBM and later for Lenovo. Richard Sapper passed away on 31 December 2015.

Richard Sapper’s main interest in his design work centred on technically complex problems. He has developed and designed a wide variety of products, ranging from ships and cars, to computers and electronics, and furniture and kitchen appliances. The starting point for creating a kettle in collaboration with Alessi was Sapper’s dislike of the whistling noise made by kettles, which he wanted to replace it with a melodic sound. To create a lower-pitched sound, you generally need more space and that space is not available in a kettle. After long research, a maker of pitch-pipes that produce a quiet, low-pitch sound was found in Bavaria.The pitch-pipes used for this kettle are still made here today.

Ronan and Erwan Bouroullec & Galerie kreo & Flos

SUOMI
Ranskalaisten suunnittelijoiden Ronan ja Erwan Bouroullecin pienten valmistuserien yhteistyöprojektit Galerie kreon kanssa ovat hedelmällinen alusta kokeiluille. Lianes-teoksen (Liaanit) lähtökohtana oli ajatus köydestä tai johdosta. Veljekset kysyivät, miten he voisivat saada lampun pysymään vaaditussa korkeudessa ilman lisäkiinnikkeitä. Vastaus kysymykseen syntyi peittämällä valaisimet ja kaapelit pehmeällä nahalla, joka loi luonnollista kitkaa.

Alkuperäisen Lianes-teoksen peruslogiikkaa – jossa lamppu kiinnitetään valittuun asentoon johdolla ilman muita kiinnikkeitä – ei voitaisi valmistaa massatuotantona, koska siihen tarvittavan nahan käyttö olisi liian kallista. Aim-tuotetta varten duo esitteli sen sijaan uudenlaisen typologian tavallisiin koteihin: alumiinivalaisimista muodostettavan köynnöksen.

SVENSKA
De franska formgivarbröderna Ronan och Erwan Bouroullec utnyttjade sitt arbete med en limited-edition på Galerie kreo för experimentellt utforskande. Repet, eller kabeln, var utgångspunkten för Lianes, men hur skulle man kunna fästa lamporna på olika höjder utan att använda ytterligare komponenter för att hålla dem på plats? Svaret blev läder, man täckte lampor och kablar med höljen av läder, och lät materialets smidighet och fästegenskaper ge det avsedda resultatet.

Utifrån sina experimentella och handgjorda utställningsverk har Ronan och Erwan Bouroullec tagit fram en produkt som kan tillverkas i större serier. Den ursprungliga tanken bakom Lianes - att kunna hålla lamporna på plats på kabeln utan att behöva ytterligare komponenter - fungerade inte i den massproducerade versionen, att använda läder skulle göra den alltför dyr. Duon introducerade i stället en ny version, Aim, en pendellampa i aluminium för hemmet.

ENGLISH
French designers Ronan and Erwan Bouroullec use their limited-edition work with Galerie kreo as a fertile ground for experimentation. The brothers’ starting point for Lianes was the idea of a rope or a cord, and the question of how to hold a lamp in place at the required height without additional fixtures. The brothers answered the question by covering the lamps and cables with leather, thus creating a natural friction produced by the soft material itself.

From their experimental and hand-made gallery pieces, Ronan and Erwan Bouroullec developed a product that could be produced in large numbers. The fundamental logic of the original Lianes – the ability to fix a lamp in a chosen position on the cord without the use of additional components – could not be recreated in the mass-produced version, as using leather would be too expensive. With Aim, the duo instead introduced a new kind of typology – a garland made of aluminium lights – to the average home.

Sam Hecht and Kim Colin (Industrial Facility) & Mattiazzi

SUOMI
Industrial Facility on Sam Hechtin ja Kim Colinin luotsaama teollisen muotoilun studio Lontoossa. Hecht ja Colin ammentavat teollisen muotoilun ja arkkitehtuurin taustoistaan yhteisprojektiinsa, joka läpileikkaa eri aloja ja jossa eri koulukuntien sujuva risteytyminen mahdollistaa jatkuvan, monipuolisen ymmärryksen. Hechtin ja Colinin tavoitteena ei ole luoda jotain erilaista, vaan jotain parempaa.

Mattiazzi on Udinen maakunnassa toimiva pieni italialainen puuhuonekalujen valmistaja, jolla on pitkät perinteet tuottaa nimettömänä alihankintana kauniisti muotoiltuja huonekaluja arvostetuille italialaisille brändeille. TEHDAS esittelee Hechtin ja Colinin kuuluisan Branca-tuolin (2010), joka oli muotoilijaduon ja Mattiazzin ensimmäinen yhteistyö ja sittemmin ikonisen aseman saavuttanut Mattiazzin taidonnäyte.

Branca on hieno esimerkki perinteisen käsityön ja uusimman robotiikan liitosta: molemmat saavuttavat toistensa avulla jotain suurempaa. Industrial Facilityn ja Mattiazzin välisissä keskusteluissa nousee usein esiin luonto, jossa monimutkaisuus kulkee omia polkujaan ja kauneus syntyy kasvun kehästä. Puunoksat ovat yhteistyöprojektin rakenteen analogia. Brancan jalat tukevat käsinojien kriittisiä liittymäkohtia, istuinta ja selkänojaa, ja ne on valmistettu yhdestä puukappaleesta robotilla.

"Fyysinen mallintaminen on oleellisessa roolissa prosessissamme. Jos kerran tuoli kannattelee kehoa ja siihen tartutaan käsillä, on loogista että myös suunnittelu alkaa käsityönä. Käsinojat ovat tästä hyvä esimerkki: Sam tarttui työpajasta löytyneeseen luutaan, mittasi sen ja sanoi, että tehdään ne 30 millin ympärysmitalla. Luuta saattaa vaikuttaa yksinkertaiselta välineeltä, mutta kädet ovat tarttuneet siihen jo satojen vuosien ajan. Väripalettia varten Kim taas valokuvasi metsiä Etelä-Englannissa: yhdessä niistä näkyi kirkkaan sammaleenvihreä kanto, ja tämä valokuva tuli pohjaksi koko väriskaalallemme."

SVENSKA
Industrial Facility är en Londonbaserad studio för industridesign ledd av Sam Hecht och Kim Colin. Sam Hecht och Kim Colin har tidigare sysslat med industridesign respektive arkitektur. De arbetar med projekt som sträcker sig över en rad branscher, där korsbefruktningen mellan olika discipliner har möjliggjort en fortlöpande utveckling av duons skaparkraft. Det som driver Hecht och Collin är att tillverka bättre produkter, inte nödvändigtvis annorlunda produkter.

Mattiazzi är en liten italiensk tillverkare av trämöbler, belägen i provinsen Udine som historiskt sett varit säte för anonyma tillverkare av vackra hantverksmässigt utförda möbler för välrenommerade italienska möbelmärken. På FABRIK visas Sam Hechts och Kim Colins berömda stol Branca (2010), deras första samarbete med den italienska sittmöbeltillverkaren Mattiazzi, som har blivit ikonisk.

Branca anses vara ett utmärkt exempel på hur hantverksmässigheten kan fungera tillsammans med den senaste robottekniken, ingendera vore densamma utan den andra. I dialogen mellan Industrial Facility och Mattiazzi vändes fokus mot naturen, vars komplexitet lyder under sin egen logik, och där växtcykeln ger upphov till skönheten. Det var särskilt parallellen med trädets grenar som gav struktur åt projektet. Stolens bakre ben är en viktig sammanfogningspunkt för armstöden, sätet och ryggstödet. De är gjorda i ett enda trästycke framtaget med robotteknik.

“Den fysiska tillverkningen av modeller är en viktig del av vår process, för om en stol ska rymma kroppen och fattas tag i av händerna bör den i första hand formges av och med handen. Ett exempel på detta är armstöden. Sam fattade tag i ett kvastskaft som fanns i ateljén, mätte upp det och sa: vi tar och gör dem 30 mm i diameter. Man kan tycka att en kvast är ett nog så anspråkslöst redskap, men handen har hållit om det i hundratals år. För att hitta färger gick Kim ut i skogarna i södra England för att fotografera. På en av bilderna fanns en lysande, mossgrön trädstam, och den kom att utgöra utgångspunkten för färgvalet.”

ENGLISH
Industrial Facility is a London-based industrial design studio by Sam Hecht and Kim Colin. The designers have backgrounds in industrial design and architecture, and their work appears as one continuous project across a vast array of industries, where the cross-pollination of disciplines has enabled continuous development of the studio’s expertise. Hecht and Colin’s desire is not to set out to produce something different but rather something better.

Mattiazzi is a small, Italian producer of wooden furniture, nestled in the Udine region, which has a long history of the anonymous manufacture of beautifully crafted pieces for well-respected Italian furniture brands. The FACTORY exhibition will show Hecht and Colin’s renowned Branca chair (2010), the designers’ first collaboration with Mattiazzi, which become an iconic work for the producer.

Branca is considered a fine example of how handicraft can work together with the most cutting-edge robotics. In conversations between Industrial Facility and Mattiazzi, the focus turned to nature, where complexity thrives with its own logic, and beauty emerges from the growth cycle. In particular, the branches of a tree provided the structural analogy for the project. Branca’s back legs support the critical joints of its armrest, seat and back, and are made from a single piece of wood sculpted robotically.

“The physical creation of models is a key part of our process. If a chair is to contain the body and be grasped by hands, it should be designed by and with the hand first. An example of this can be seen in the armrests: Sam grabbed a wooden broom from the workshop, measured it, and said, “Let’s make them 30 mm in diameter”. A broom may seem a fairly simple tool, but hands have held it for hundreds of years. For the colour range, Kim took photographs of forests in the south of England: one of them showed a bright, moss-green trunk, and the photograph became the basis for the complete colour range.”

Studio Wieki Somers

SUOMI
Savupiipuista tuli uuden kiinteistökehityskohteen kruunu Alankomaiden Hoofddorpissa. Studio Wieki Somersin arkkitehtuuri tulkitsee uudelleen englantilaista Tudor-tyyliä luomalla uudelle naapurustolle omaleimaisen identiteetin savupiippumallistollaan.

Projekti haki inspiraatiota korkeista, koristelluista savupiipuista jotka ovat tyypillisiä englantilaiselle Tudor-arkkitehtuurille. Piiput tuovat mieleen maanviljelijöiden pinoamat turvekasat Haarlemmermeer-järven ympärillä 1500-luvulla. Studio kehitti modulaarisen järjestelmän pinoamalla useita elementtejä yhteen erilaisina yhdistelminä. Savupiiput ovat kuin Lego-palikoita, niissä on rajattomat mahdollisuudet. Tudor-savupiippujen yksityiskohdat on valmistettu polyesteribetonista, joka on nykyaikainen ja kestävä materiaali. Se mahdollistaa osien kaivertamisen ontoksi paljastaen niiden rakenteen. Jokaisen 1250 uuden talon asukkaat saivat valita oman savupiippunsa kuudesta eri vaihtoehdosta.

SVENSKA
Skorstenspiporna Chimney Pots är kronan på verket i ett nytt bostadsområde i nederländska Hoofddorp. I överensstämmelse med arkitektens nytolkning av Tudorstilen har Studio Wieki Somers tagit fram en serie skorstenspipor som förhöjer egenarten hos det nya bostadsområdet.

Inspirationen hämtades från de höga, dekorativa skorstenspiporna, karakteristiska för Tudorarkitekturen, som gav eko i det sätt på vilket bönderna runt Haarlemmermeer staplade torv på 1500-talet. Studion utarbetade ett modulsystem med flera element som kan kopplas ihop i olika kombinationer så att man kan få en egenkomponerad skorsten. Det är ett slags Lego med oändliga möjligheter. Detaljerna i skorstenarna i Tudorstil är tillverkade i polyesterbetong, ett modernt och hållbart material som medger att olika sektioner friläggs så att den underliggande strukturen blir synlig. De boende i vart och ett av de 1250 husen har valt sin egen skorstenspipa utifrån sex möjliga kombinationer.

ENGLISH
Chimney Pots are the crowning glory on a new housing development in Hoofddorp, the Netherlands. In keeping with the architect’s reinterpretation of the English Tudor style, Studio Wieki Somers has created a range of chimney pots that enhances the atmosphere of the new neighbourhood.

The inspiration came from the tall, richly decorated chimney pots characteristic of English Tudor architecture. The pots are also reminiscent of the way that farmers used to stack peat around the Haarlemmermeer lake in the sixteenth century. The studio developed a modular system by stacking several elements in various combinations to produce different compositions. It is a kind of Lego with infinite possibilities. The details of the Tudor chimneys are translated into polyester concrete, a contemporary and durable material that allows sections to be carved open, revealing the underlying structure. The residents of each of the 1,250 houses can choose their own Chimney Pot from a family of six different sets.

Thélonious Goupil & Iittala

SUOMI
Iittala osallistuu TEHDAS-näyttelyyn installaatiolla The Colour of Things, joka on toteutettu yhteistyössä muotoilija Thélonious Goupilin kanssa. Esillä olevat esineet ja installaatio ovat inspiroituneet Iittalan lasitehtaan ammattitaidosta värillisen lasin parissa. Iittalan käyttämät värit on muotoiltu erilaisiksi esineiksi, jotka luovat yhdessä arkipäivän innoittamia värikkäitä, tilallisia asetelmia. Thélonious Goupilin työskentelyn lähtökohtana oli hänen ajatuksensa lasista materiaalina ja lasiesineistä ikkunoina ympäristöömme.

”Lasi esiintyy arjessa harvoin yksinään. Se liittyy usein muihin elementteihin, kuten veteen, kukkiin tai kalaan, ja sitä ympäröivät usein lähellä olevien esineiden värit, materiaalit ja muodot. Näkemys lasiesineen väristä on pitkälti tilannesidonnainen. Joskus näiden tahattomien asetelmien kauneus voi yllättää meidät.”

Goupilin koostama lasi-installaatio kertoo tarinaa jokapäiväisistä muodoista ja väreistä. Nämä kohtaukset rakentuvat keskelle lasiseinäelementtejä, joita ympäröivät Goupilin suunnittelemat ja Iittalan lasitehtaan valmistamat värikkäät lasiesineet. Installaatio kutsuu tarkkailemaan maailmaa lasin läpi kohtauksina, jotka rakentuvat ja purkautuvat uudelleen ja uudelleen katsojan liikkuessa tilassa.

SVENSKA
Iittala deltar på FABRIK med en installation som heter The Colour of Things av formgivaren Thélonious Goupil. Objekten och installationen hämtar sin inspiration från de skickliga experterna på färgat glas hos Iittala. Iittalas färger används för att skapa spatiala, färggranna kompositioner i olika verk inspirerade av visioner från vardagslivet. I verket utgår Thélonious Goupil från idén om glas som material och glasföremål som något som vi ser tvärsigenom i vår hemmiljö.

“I vardagen står glasföremålen sällan helt ensamma. Ofta förknippas de med saker som vatten, blommor eller fiskar, och omges av andra föremål i olika färger, material och former. Uppfattningen av färgen på ett glasföremål beror till stor del på i vilken omgivning det står. Ibland kan vi överraskas av skönheten i dessa oavsiktliga kompositioner.”

Goupils glassinstallation skildrar vardagliga former och färger runt väggelement i glas omgivna av färgstarka glasföremål som har designats av Thélonious Goupil och är tillverkade av Iittala. Betraktaren uppmanas att se tvärsigenom bildrummen som konstrueras och dekonstrueras allteftersom man för sig inåt.

ENGLISH
Iittala takes part in FACTORY with an installation named The Colour of Things by designer Thélonious Goupil. The objects and installation have been inspired by the glass colour expertise and skills within the Iittala glass factory. Iittala's colours are shaped into different pieces to create spatial, colourful compositions inspired by visions from everyday life. The starting point for Thélonious Goupil’s work was the realisation that glass objects were something we often look through in our everyday surroundings.

"In daily life, glass is rarely found isolated. It is often associated with other elements such as water, flowers or fish, and it is often surrounded by the colours of nearby objects, their materials and shapes. The perception of the colour of a glass object depends a lot on these surroundings. Sometimes the beauty of these unintentional compositions can surprise us."

Goupil created an installation of glass that narrates everyday forms and colours. These are built around glass wall elements and surrounded by colourful glass items that have been designed by Thélonious and made in the Iittala glass factory. The spectator is invited to look through the scenes that construct and deconstruct again and again as one moves through them.

Tuulia Penttilä

SUOMI
Tuulia Penttilä on työskennellyt vapaana muotoilijana ja hienopuuseppänä Fiskarsissa vuodesta 1999. Monialaisesti muotoilun ja taiteen rajapinnalla toimivan Penttilän työt ovat tunnettuja minimalistisesta ilmaisustaan sekä harkituista yksityiskohdista. Penttilän tuotantoa ohjaa ekologiset arvot sekä vastuullisuus, ja luonnollisten materiaalien tuntu ja puhtaat muodot onkin tunnusomaista läpi tuotannon. Laaja tiedostavuus näkyy taiteilijan toiminnassa uusina avauksina, arvovalintoina ja hiljaisena vaikuttamisena. Työt valmistetaan käsityönä piensarjoina tai uniikkikappaleina Penttilän työhuoneella Fiskarsin entisessä voimalaitoksessa.

Mukana yhteistyössä Hannu Koistinen (Koistinen Kantele Oy), Arto Sepänmaa (RDPS Oy), Heikki Saastamoinen (Heinolan Valmistamo Oy) ja Tauno Kinnunen (Etsivä Nuorisotyö, Karjaa).

SVENSKA
Tuulia Penttilä har arbetat som fri formgivare och finsnickare sedan 1999 i Fiskars. Penttilä verkar i gränsytan mellan design och konst och hennes arbeten är kända för sina minimalistiska uttryck och genomtänkta detaljer. Penttiläs produktion styrs av ekologiska värden och ansvarsfullhet, och känslan för naturliga material och rena former löper som en röd tråd genom den. Konstnärens omfattande medvetenhet kommer till uttryck i arbetet som nya öppningar, aktiva val och en stilla påverkan. Verken framställs för hand i små serier eller som unika exemplar i Penttiläs ateljé i gamla kraftverket i Fiskars.

I samarbete med Hannu Koistinen (Koistinen Kantele Ab), Arto Sepänmaa (RDPS Ab), Heikki Saastamoinen (Heinolan Valmistamo Ab) och Tauno Kinnunen (Etsivä Nuorisotyö, Karis).

ENGLISH
Tuulia Penttilä has worked as a freelance designer and fine carpenter in Fiskars since 1999. Penttilä works within the borders of design and art and is known for a minimalist expression and a sharp eye for detail. Penttilä is driven by ecological values and sustainability. The feel of natural materials and clean shapes are imprinted on her whole oeuvre. A broad sense of consciousness is visible in the artist's work through new discussions, value choices and tacit influencing. Penttilä's works are produced by hand in small series or as unique pieces at her workshop located in a former power plant in Fiskars.

Made in cooperation with Hannu Koistinen (Koistinen Kantele), Arto Sepänmaa (RDPS), Heikki Saastamoinen (Heinolan Valmistamo) and Tauno Kinnunen (Etsivä Nuorisotyö, Karjaa).

Zhenhan Hao

SUOMI
Hao Zhenhanin projekti Imitation, imitation nostaa esiin Kiinan kopiointikulttuurin sosiaalisia, poliittisia ja taloudellisia ulottuvuuksia ja edistää positiivista tulevaisuutta taiteilijan suorien väliintulojen kautta. Zhenhan paneutui imitaatioiden historiaan kahden vuoden ajan yksittäisten ammattilaisten, ryhmien ja muiden toimijoiden kautta Kiinassa ja Lontoossa.

"Omaksuin agentin roolin ja johdan kahta tutkimusprojektia samanaikaisesti eri yhteiskunnallisissa asiayhteyksissä. Kiinassa olen esittänyt uutta tuotantomallia Dafenin kylässä sekä Jingdezhenissä käsityöläisille yhdistäen imitaatiota ja omaa luomista. Yhdessä olemme tuottaneet malliston improvisoiduista tuotteista, jotka kannustivat imitaattoreita tutkimaan omaa mielikuvitustaan ja luovuuttaan. Lontoossa esittelin kiinalaista imitointikulttuuria työpajassa, jonka absurdina tavoitteena oli piirtää täydellisiä ympyröitä. Yliopistot, galleriat ja museot antavat eritaustaisille ihmisille uusia näköyhteyksiä monimutkaisiin, eri aloja yhdisteleviin maisemiin, kokeiluihin ja kanssakäymisiin, jotka kannustavat tulkitsemaan ja kyseenalaistamaan imitaatioiden maailmaa uudelleen."

SVENSKA
Hao Zhenhans projekt imitation, imitation avslöjar de sociala, politiska och ekonomiska konsekvenserna av den kinesiska imitationskulturen och främjar en positiv framtida utveckling genom konstnärens direkta ingripande. Under två års tid har Zhenhan genom lokalt baserade individer och grupper och andra aktörer studerat den historiska imitationskulturen i Kina och London.

“Jag har utgett mig för att vara agent och jag bedriver två olika forskningsprojekt samtidigt inom olika sociala kontexter. Jag har föreslagit en ny produktionsmodell i Kina, för hantverkare i Dafen, en by känd för sina oljemålningar, och staden Jingdezhen, som går ut på att samtidigt imitera och skapa. Tillsammans tog vi fram vi en serie improviserade produkter i syfte att inspirera imitatörerna till att utforska sin fantasi och kreativitet. I London introducerade jag den kinesiska imitationskulturen i en workshop med det absurda syftet att rita perfekta cirklar. Personer med bakgrund i olika forum, universitet, gallerier och museer exponeras för komplexa resonemang avseende ett tvärvetenskapligt samspel och experimenterande som inbjuder till fortsatt tolkning och ifrågasättande av begreppet imitation.”

ENGLISH
Hao Zhenhans’s project Imitation, imitation uncovers the social, political and economic implications of Chinese imitation culture and stimulates positives developments for the future through the artist’s direct interventions. Over a two-year period of study, Zhenhan has engaged with local individuals, groups and other operators regarding the history of imitation in China and in London, UK.

“I have taken on the guise of an agent and I am managing two research practices simultaneously under different social contexts. In China, I have proposed a new production model for craftspeople in Dafen village and Jingdezhen to imitate and create at the same time. Together, we coproduced a series of improvised products that sought to inspire the imitators to explore their imagination and creativity. In London, I introduced Chinese imitation culture through a workshop with the absurd aim of drawing perfect circles. With the exposure in universities, galleries and museums, people with different backgrounds are introduced to complex landscapes of interdisciplinary interactions and experiments that invite further interpretation and interrogation of the notion of imitation.”